Year: 2020

Galeri Seni Teratas Norwegia Yang Harus Dikunjungi
Mitug

Galeri Seni Teratas Norwegia Yang Harus Dikunjungi

Galeri Seni Teratas Norwegia Yang Harus Dikunjungi – Norwegia memiliki pemandangan seni yang menarik dan sangat bervariasi, dan meskipun Oslo dan Bergen adalah pusat seni Norwegia, ada banyak galeri besar yang tersebar di seluruh negeri. Ini juga rumah bagi salah satu lukisan paling terkenal di dunia, The Scream oleh Edvard Munch, yang telah menginspirasi seni di seluruh dunia. Baca terus untuk menemukan galeri seni terbaik untuk dikunjungi di sini.

Nasjonalgalleriet

Tidak ada panduan ke galeri seni terbaik Norwegia yang lengkap tanpa Galeri Nasional di Oslo, di mana Anda juga akan menemukan banyak galeri seni hebat lainnya. Galeri Nasional menyimpan koleksi lukisan, gambar, dan patung terbesar di Norwegia. Ini memberikan wawasan yang luar biasa tentang sejarah seni Norwegia dan menampung satu versi Munch’s The Scream (pengungkapan penuh: dia membuat beberapa versi berbeda; Anda akan menemukan yang lain di Museum Munch). Anda dapat mencoba keterampilan seni Anda sendiri di ruang menggambar, di mana alas sketsa sudah siap. Museum ini gratis pada hari Kamis, jadi tidak ada alasan untuk tidak pergi.

Nordnorsk Kunstmuseum

Museum Seni Norwegia Utara di Tromsø menyajikan seni Norwegia dan internasional dari abad ke-17 hingga saat ini, dan berfokus pada seni Norwegia utara. Ada lebih dari 2.100 koleksi permanen dan selalu ada pameran baru yang menggugah pikiran untuk dijelajahi. Museum ini akan memberi Anda wawasan unik tentang masyarakat dan budaya Norwegia utara.

KODE Art Museums

KODE sebenarnya menggabungkan tujuh bangunan museum dan lima museum untuk membuat salah satu museum terbesar di Skandinavia untuk seni, benda bersejarah, dan konser. Empat bangunan berada di pusat kota Bergen dan diberi nama KODE 1, 2, 3 dan 4; tiga yang terakhir berbasis di bekas rumah komposer Ole Bull, Harald Sæverud dan Edvard Grieg. Secara keseluruhan, museum ini memiliki hampir 50.000 objek yang bervariasi termasuk lukisan, patung, instalasi, video, alat musik, furnitur, dan karya seni rupa dan desain.

The Munch Museum

Edvard Munch adalah pelukis Norwegia yang paling terkenal dan karyanya terkenal secara internasional. Museum Munch di Oslo wajib dikunjungi jika Anda penggemar ekspresionisme dan simbolisme. Ini adalah rumah bagi beberapa seninya yang paling memikat dan memberikan wawasan paling komprehensif ke dalam pikiran jiwa senimannya.

Museum dibuka pada Mei 1963, 100 tahun setelah artis kelahiran. Munch memiliki peran penting dalam menggerakkan museum, setelah mengangkat gagasan tentang museum Munch dengan direktur Galeri Nasional, dan menyumbangkan sejumlah besar karya seninya ke kota Oslo ketika dia meninggal.

Stavanger Art Museum

Museum Seni Stavanger saat ini menampung lebih dari 2.600 karya seni, tetapi awalnya sederhana. Koleksinya dibuat pada tahun 1865 oleh masyarakat seni lokal Stavanger, dengan tujuan membangun koleksi seni dan memicu kecintaan pada seni pada masyarakat.

Saat ini, museum ini menyimpan koleksi Lars Hertervig terbesar di Norwegia dan semakin banyak lukisan karya Kitty Kielland, putri Jens Z Kielland, ketua pertama dari masyarakat seni asli. Karya seni dan bangunannya sendiri luar biasa dan layak untuk dihabiskan di sore hari.

Galleri F 15

Galeri pertama dari jenisnya di Norwegia, Galleri F 15 di Moss telah menjadi yang terdepan dalam seni kontemporer sejak dibuka pada tahun 1966. Galeri ini bertujuan untuk menunjukkan karya yang dilakukan oleh seniman kontemporer untuk mencoba menjelaskan dunia yang kita tinggali. in.

Galeri ini berfokus pada seniman muda yang telah memilih lukisan sebagai medium mereka, dan memiliki keseimbangan yang seimbang antara karya Norwegia dan internasional. Benar-benar ada sesuatu untuk dinikmati semua orang di galeri ini.

Antonio Evans
Cara Terbaik Untuk Melihat Seni di Philadelphia
Mitug

Cara Terbaik Untuk Melihat Seni di Philadelphia

Cara Terbaik Untuk Melihat Seni di Philadelphia – Banyak pengunjung Kota ini datang untuk sejarah dan jatuh cinta pada budayanya. Philadelphia adalah rumah bagi sekolah seni tertua di Amerika Serikat, dan kota ini terkenal akan keragamannya. Dari mengembangkan seni rupa hingga menampilkan lebih banyak seni publik daripada kota lain, kancah seni Philadelphia adalah salah satu yang harus diperhatikan.

Philadelphia Museum of Art

Sebuah ruang terkenal untuk pameran nasional dan satu-satunya dan salah satu museum terbesar di negara ini, Philadelphia Museum of Art menyimpan koleksi karya seni yang mengesankan. Bangunan itu sendiri merupakan keajaiban arsitektur; Rockystaircase yang terkenal hingga pintu masuk utama gedung menyediakan pintu masuk yang dramatis. Koleksi permanen ini membanggakan lebih dari 22.000 karya, dan pameran sementara memungkinkan Anda menemukan pengelompokan satu-satunya, campuran merica dari koleksi pribadi dan pinjaman dari berbagai museum di seluruh dunia.

Woodmere Art Museum

Sebuah rumah besar bergaya Victoria di bagian kota Chestnut Hill, Woodmere menyimpan koleksi pribadi Philadelphian Charles Knox Smith, yang meminta dalam surat wasiatnya agar koleksinya dibagikan dengan komunitas. Koleksi permanen menampilkan karya dari pendiri dan pameran secara konsisten menampilkan seniman Philadelphia. Untuk acara malam, kunjungilah pada akhir pekan untuk menikmati jazz malam Jumat atau pertunjukan musik pada hari Sabtu.

Rodin Museum

Museum Rodin, yang terletak di ujung jalan dari Museum Philadelphia, merayakan pematung Prancis Auguste Rodin. Kunjungi pada sore yang cerah dan cerah sehingga Anda dapat menikmati taman bergaya Prancis dan ruang pahatan luar ruangan. Patung-patung tersebut dibuat dari cetakan asli mahakarya Rodin. Kunjungi museum ini untuk berkenalan dengan karya seniman sebelum berangkat ke Prancis untuk melihat studio dan rumahnya. Museum Rodin, 2154 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphia, PA, AS

The Barnes Foundation

The Barnes Foundation adalah tujuan bagi pecinta Impresionisme dan rumah bagi sejarah kontroversial. Koleksinya berasal dari Albert Barnes, seorang pemberontak dunia pengoleksi seni di awal abad ke-20, khususnya di Paris. Barnes meminta, setelah kematiannya, rumahnya menjadi ruang galeri dan ruang belajar, sehingga publik dapat menikmati gairah hidupnya. Pertempuran untuk hak asuh koleksinya pun terjadi, dan kota itu menang pada akhirnya, memberi penghormatan kepada Barnes dengan membangun kembali rumahnya di dalam museum.

The Center for Art in Wood

Fasad The Center for Art in Wood mengungkapkan semuanya: keserbagunaan. Pusat ini menyediakan ruang untuk pameran keliling dan pameran permanen. Mereka juga menyelenggarakan program residensi seniman dan menyediakan kelas dan lokakarya. Lokasi menjangkau lebih jauh ke komunitas dengan menawarkan ruangnya untuk acara pribadi dan tur grup. Lokasi ini gratis untuk dikunjungi dan memiliki toko museum dengan karya seni yang indah untuk dijual.

Moore College of Art and Design

Cara terbaik untuk melihat pemandangan seni di kota adalah dengan memperhatikan denyut nadi siswa seni. Sekolah Tinggi Seni dan Desain Moore terletak tepat di Center City, jadi ini adalah lokasi yang bagus untuk ditambahkan ke rencana perjalanan Anda saat mengunjungi Akademi Ilmu Pengetahuan Alam atau Institut Franklin. Pameran sekolah ini gratis dan terbuka untuk umum, memberi pengunjung kesempatan untuk merasakan pengalaman galeri yang intim dan menggugah pikiran serta mendukung bakat baru.

First Friday

Jika Anda mengunjungi kota pada akhir pekan pertama setiap bulan, First Friday adalah kesempatan bagi Anda untuk menjelajahi lebih dari 40 galeri di area Kota Tua Philadelphia dan melihat pemandangan seni di kota. First Friday, jadi ini adalah cara hemat biaya bagi pecinta seni untuk menemukan galeri baru atau apa yang sedang dikerjakan oleh bakat yang sedang naik daun. Acara ini berlangsung mulai pukul 17:00 hingga 21:00 sepanjang tahun, baik hujan maupun cerah.

Antonio Evans
Galeri Seni Kontemporer dan Museum Terbaik di Bern
Mitug

Galeri Seni Kontemporer dan Museum Terbaik di Bern

Galeri Seni Kontemporer dan Museum Terbaik di Bern – Ibu kota Swiss, Bern, yang didirikan pada awal abad ke-12 memiliki sejarah yang kaya, tetapi juga terkenal dengan seni modern dan kontemporernya. Dengan banyaknya ruang pameran untuk dikunjungi, pecinta seni kontemporer akan merasa betah di kota yang memiliki arsitektur mencolok ini.

Cerny Inuit Collection

Koleksi Cerny Inuit adalah pajangan unik seni kontemporer dari Kanada, Siberia, dan daerah sirkumpolar di kedua sisi Selat Bering. Menampilkan seni yang terbuat dari tulang ikan paus, batu, dan taring walrus dan mammoth, koleksi ini memberi pengunjung wawasan langka tentang kehidupan dan budaya orang-orang yang menghuni daerah kutub. Dampak alam, tradisi, dan perdukunan pada karya-karya ini juga terungkap. Dibangun di garasi yang telah direnovasi di dekat stasiun kereta api utama di Bern, koleksi ini berbeda dengan sebagian besar galeri seni kontemporer di kota.

Kunsthalle Bern

Kunsthalle Bern didirikan pada tahun 1918 dan telah menerima pengakuan global sejak saat itu. Menampilkan seni regional, nasional, dan internasional, Kunsthalle menyelenggarakan pameran baru setiap tahun, menampilkan individu atau kelompok yang terdiri dari sekitar enam atau tujuh seniman. Pameran tunggal oleh seniman kontemporer seperti Paul Klee, pada tahun 1935, dan Christo, pada tahun 1968, membawa galeri ini ke perhatian dunia, dengan pameran seperti When Attitudes Being Form karya Harald Szeeman masih dibahas secara luas di seluruh dunia seni. Kunsthalle berharap untuk menampilkan dirinya sebagai tempat untuk debat artistik dan kritis dan tur reguler, ceramah, dan diskusi yang dipandu tentu memungkinkan pengunjung untuk membenamkan diri dalam seni yang dipamerkan.

Kornhausforum

Kornhausforum, yang terletak di bekas lumbung Kota Tua Bern, berusia sekitar 300 tahun, bertujuan untuk mempromosikan pemikiran artistik baru. Mengungkap aspek komunitas Bernese, baik kehidupan individu maupun kota secara keseluruhan, karya seni yang dipamerkan di sini sering kali bertepatan dengan acara budaya dan diskusi panel. Stadtsaal terletak di lantai pertama, merupakan ruang sentral untuk acara-acara yang dapat disewa untuk acara pribadi dan umum. Juga di dalam gedung terdapat dua restoran bergaya, Kornhauskeller, di ruang bawah tanah yang luas dan atmosfer, dan Kornhauscafé di lantai pertama.

Zentrum Paul Klee

Baik sebagai pusat konferensi dan museum seni, Zentrum Paul Klee menyimpan koleksi terbesar karya pelukis dengan sekitar 4.000 lukisan – kira-kira 40% dari oeuvre-nya. Struktur bergelombang bangunan itu sendiri dirancang oleh arsitek Italia Renzo Piano. Pameran bertema museum menampilkan pilihan berputar dari sekitar 120 – 150 karya seniman, sementara pengiring multimedia memungkinkan setiap pengunjung untuk berinteraksi dengan karya dan belajar tentang sejarah mereka. Selain pameran, museum ini merupakan platform kreatif yang aktif untuk teater, tari, sastra, dan seminar, sementara Kindermuseum Creaviva memungkinkan anak-anak untuk terlibat sepenuhnya.

Kunstmuseum

Bern’s Kunstmuseum adalah museum seni tertua di tempat ini dan, meskipun tidak secara eksklusif berfokus pada seni terkini dan kontemporer, merupakan atraksi yang harus dikunjungi bagi siapa pun yang ingin merasakan pengalaman terbaik dari ibu kota Swiss. Dengan total lebih dari 3.000 lukisan dan pahatan, dan sekitar 48.000 gambar, foto, cetakan, dan film dalam koleksinya, museum ini dengan mudah mendapatkan reputasi kelas dunia. Dengan karya selama delapan abad; pajangan yang menampilkan karya Pablo Picasso, Ferdinand Hodler dan Meret Oppenheim di antara banyak lainnya; dan gerakan seni seperti impresionisme, kubisme, dan surealisme terwakili, museum dapat dengan mudah menghabiskan waktu seharian untuk menjelajah.

Kunstreich

Kunstreich berfokus pada berbagai seni dan grafik kontemporer serta menyediakan layanan restorasi. Galeri di lantai bawah, yang terletak di salah satu ruang bawah tanah berkubah yang terkenal dengan Bern, telah dibuka sejak 2003 dan, meskipun ukurannya relatif sederhana, tetap menarik untuk dikunjungi. Dinding bersih bercat putih, undakan batu, dan langit-langit berkubah menambah suasana tenang. Pilihan karya seni yang dipamerkan bervariasi dan museum menyelenggarakan antara enam hingga delapan pameran per tahun.

Antonio Evans
Museum Eropa yang Menampilkan Seni Non-Eropa
Mitug

Museum Eropa yang Menampilkan Seni Non-Eropa

Museum Eropa yang Menampilkan Seni Non-Eropa – Globalisasi berdampak pada semua aspek masyarakat, termasuk dunia seni. Seni Eropa telah lama menjadi sorotan, tetapi museum Eropa ini menonjolkan mahakarya artistik dalam skala global.

Centre Georges Pompidou

Centre Georges Pompidou di Paris adalah salah satu museum pertama di Eropa yang mengatasi kurangnya representasi karya seni dari luar Eropa. Dengan pameran Magiciens de la Terre tahun 1989, kurator Jean-Hubert Martin berupaya menghadapi kondisi yang dia gambarkan sebagai seratus persen pameran yang mengabaikan delapan puluh persen bumi.

Meski pameran itu sendiri menuai pujian dan kritik, namun juga memicu debat di antara seniman, kurator, dan akademisi yang berupaya mengatasi kesenjangan ini. Saat ini, koleksi Pusat yang sangat banyak berisi karya seni dari lebih banyak negara daripada museum lain di Eropa dan terus mempromosikan seniman non-Eropa melalui pamerannya.

Tahun ini, Center merayakan ulang tahun ke 25 Magiciens de la Terre dengan simposium internasional yang mempertemukan akademisi, seniman, dan kurator dari lima benua untuk melihat kembali pameran dan mendiskusikan masa depan seni kontemporer.

Fondation Cartier pour l’Art Contemporain

Fondation Cartier adalah museum Paris lainnya yang memajukan budaya kontemporer internasional. Sejak awal berdedikasi untuk mendukung artis baru dan mereka yang belum mendapatkan pengakuan di Eropa.

Hal ini membuat Fondation Cartier menjadi salah satu museum pertama di Eropa yang memamerkan karya seniman yang diakui secara internasional seperti artis Korea Lee Bul, fotografer Mali Sydou Keyuta, pelukis neo-pop Jepang Takashi Murakami dan fotografer Brasil Alair Gomes. Yayasan ini juga berhasil mengembangkan kreativitas orisinal tanpa kompromi dengan menugaskan karya seni.

Pendekatan ini memungkinkan seniman untuk mewujudkan proyek tanpa batasan finansial atau spasial. Sebagai bagian dari program, residensi artistik memungkinkan seniman untuk tidak hanya membuat karya mereka, tetapi juga mengubah ruang pameran tempat seni mereka akan dilihat.

Institut du Monde Arabe

Institut du Monde Arabe di Paris adalah proyek yang dirancang oleh Prancis dan Liga Negara-negara Arab untuk mempromosikan pemahaman yang lebih dalam tentang budaya Arab di Prancis, meningkatkan pertukaran budaya, dan meningkatkan hubungan antara Eropa dan dunia Arab.

Koleksi Museum mencakup karya bersejarah dan seni Islam kontemporer yang jumlahnya terus meningkat. Menyadari bias Eropa terhadap jenis seni Islam tertentu, kurator dari dunia Arab sering dipilih untuk memilih karya seni untuk pameran Museum.

Musée National des Arts Asiatiques-Guimet

Pada tahun 1876, kolektor seni Emile Guimet merancang ide untuk The Musée National des Arts Asiatiques-Guimet sebagai museum yang didedikasikan semata-mata untuk karya seni Mesir kuno, barang antik, dan Asia. Koleksi asli didasarkan pada perjalanan Tuan Guimet ke seluruh Jepang, Cina dan India.

Selama bertahun-tahun museum terus meningkatkan perolehannya, membangun koleksi seni Asia terbesar di luar Asia. Baru-baru ini, museum telah mengalami transformasi kebijakan yang juga menganut seni kontemporer. Seperti yang dijelaskan oleh Direktur Jacques Gièt, “Museum ini lebih dari sekadar kotak penyimpanan barang antik.”

Karenanya, museum kini memamerkan karya-karya seniman kontemporer bersama dengan koleksi klasiknya dengan alasan bahwa karya-karya ini dapat bertindak sebagai dialog lintas sejarah yang membantu pengunjung melihat pengaruh masa lalu terhadap masa kini, dan untuk mendapatkan pemahaman yang lebih dalam tentang wilayah yang semakin berpengaruh ini.

Museo Ralli Marbella

Terletak di Marbella, Spanyol, Museos Ralli didirikan oleh pensiunan bankir Yunani Harry Recanati. Selama banyak kunjungan ke Amerika Latin, Recanati menjadi pengagum dan kolektor seni dari wilayah tersebut. Antusiasme ini membawanya mendirikan lima museum di seluruh dunia, termasuk Museo Ralli.

Museo Ralli Marbella bertujuan untuk mempromosikan minat publik seni Amerika Latin di Eropa. Meskipun museum ini berisi sejumlah karya seniman Eropa, sebagian besar koleksinya berasal dari Amerika Latin. Selain itu, Museum mempertahankan komitmennya untuk memilih karya berdasarkan kualitas daripada popularitas senimannya.

Kebijakan ini menjadikan Museo Ralli tempat yang bagus untuk menemukan karya seniman pendatang baru. Selain itu, dengan museum saudara yang berbasis di Chili dan Uruguay, dapat dipastikan bahwa pendirian Marbella akan terus memamerkan karya seni dari seniman baru yang segar.

Antonio Evans
Karya Seni Berukuran Saku Pertama Dari Ice Age Indonesia Menunjukkan Dorongan Kuno Manusia Untuk Mendekorasi
Mitug

Karya Seni Berukuran Saku Pertama Dari Ice Age Indonesia Menunjukkan Dorongan Kuno Manusia Untuk Mendekorasi

Karya Seni Berukuran Saku Pertama Dari Ice Age Indonesia Menunjukkan Dorongan Kuno Manusia Untuk Mendekorasi – Para arkeolog telah menemukan dua miniatur ukiran batu di Indonesia. Ini menggambarkan anoa (kerbau kerdil) dan matahari, bintang, atau mata yang berusia sekitar 26.000 tahun yang pertama dari jenisnya di wilayah kami.

Karya Seni Berukuran Saku Pertama Dari Ice Age Indonesia Menunjukkan Dorongan Kuno Manusia Untuk Mendekorasi

Meskipun ukiran kecil semacam itu telah diketahui dari periode yang sama (sekitar 20.000 tahun yang lalu) di Eropa dan Asia Barat, belum pernah ada karya seni yang dapat diidentifikasi dengan jelas cukup kecil untuk dibawa dari satu tempat ke tempat lain ditemukan dalam konteks paling kuno di Asia Tenggara. atau Australasia. sbowin

Tim Australia-Indonesia kami menemukan artefak yang dihias ini pada tahun 2018 selama penggalian di situs gua Leang Bulu Bettue di Sulawesi. Analisis selanjutnya di Brisbane mengungkapkan kompleksitas artistik dari ukiran miniatur ini.

Anoa kecil

Awalnya, anoa sulit dilihat. Apa yang tampak sebagai desain geometris sederhana di lapangan menjadi hidup dengan pencahayaan terarah di lab. Menggunakan obor kecil untuk menghasilkan bayangan dan membuat potongannya melompat keluar, moncong, lubang hidung, mata, pipi, dan dua tanduk lurus muncul. Bagian depan punggung dan perut ditampilkan dengan menggunakan garis-garis sederhana dan terukir dalam.

Bertanggal antara 26.000 dan 14.000 tahun yang lalu, pahatan ini sebanding dengan sebagian besar pahatan batu berusia serupa yang ditemukan di Eurasia. Memang, pose anoa yang telah digambarkan, dengan kepala menghadap ke belakang, adalah pilihan artistik yang umum. Contoh paling terkenal adalah “bison menjilat” dari La Madeleine di Prancis: ukiran tanduk rusa dari antara 21.000 dan 14.000 tahun yang lalu.

Anoa endemik di Sulawesi dan kemungkinan besar menjadi sumber daging, kulit, tanduk, dan tulang bagi orang-orang pertamanya. Hal ini menonjol dalam seni lukis gua Sulawesi, muncul dalam gambar yang berusia lebih dari 44.000 tahun , jadi tidak mengherankan jika anoa adalah penggambaran binatang berukir pertama yang ditemukan di daerah ini.

Apakah ini matahari?

Juga ditemukan ukiran semburan matahari. Kami tidak tahu kapan orang pertama kali mulai menggambarkan matahari itu sendiri. Gambar tertua yang hampir pasti menggambarkan matahari adalah cakram langit Nebra yang ditemukan di Jerman dan bertanggal 1600 SM.

Contoh lain termasuk prasasti berukir yang ditemukan di kota Amarna, Mesir kuno. Di sini, Firaun Akenaten (yang memerintah dari 1353-1336 SM) membangun seluruh kota untuk kemuliaan Aten (matahari).

Namun, contoh-contoh ini sepertinya bukan kali pertama orang mulai mengilustrasikan matahari. Kami berharap gambar semburan matahari yang terlihat dalam seni cadas kuno lebih tua, meskipun kesulitan dalam menentukan usia seni cadas mencegah kita untuk mengetahui dengan pasti.

Motif bercahaya seperti yang ditemukan di Indonesia tersebar luas di seluruh dunia dan dapat mewakili berbagai objek termasuk matahari, bintang, bunga, bintang laut, dan mata. Karena semburan matahari dari Leang Bulu Bettue sejauh ini unik untuk konteksnya dan tidak ada hal lain yang termasuk dalam gambar ini, kami tidak dapat memastikan bahwa itu adalah matahari.

Namun, garis ukirannya kuat dan jelas, dan pola seperti itu yang ditemukan di tempat lain mewakili sesuatu yang nyata, jadi kami yakin seniman tersebut telah menciptakan gambar dari sesuatu dari alam.

Menariknya, semburan matahari tersebut dilukis dengan pigmen merah serupa dengan yang digunakan untuk mengecat dinding Leang Bulu Bettue. Hanya jejak cat ini yang tersisa pada semburan matahari, tetapi cukup untuk memberi tahu kita bahwa itu diterapkan pada garis saja dan tidak di tempat lain pada batu berukir. Kontras semburan sinar matahari merah terang dengan abu-abu terang batu pasti telah memberikan dampak visual yang mencolok.

Penemuan di masa depan dapat menjelaskan lebih lanjut tentang objek ini dan pentingnya serta maknanya dalam budaya Zaman Es yang menciptakannya.

Seni menjadikan kita manusia

Kemampuan untuk membuat penggambaran objek yang dapat dikenali dari alam, yang dikenal sebagai seni figuratif, unik untuk spesies kita.

Sulawesi sudah mengklaim seni cadas figuratif tertua di dunia, dengan usia minimal 44.000 tahun. Tetapi contoh-contoh gambar kehidupan yang dapat dibawa-bawa tidak hanya kurang dari catatan arkeologi Indonesia yang dalam tetapi juga dari seluruh Asia Tenggara dan Australasia. Meskipun kedua contoh ini bukan seni paling kuno yang ditemukan di daerah tersebut, mereka mengisi celah yang membuat para peneliti bertanya-tanya. Karya seni seluler adalah cara efektif untuk menghubungkan orang secara emosional dengan peralatan sehari-hari mereka, serta orang dengan orang lain.

Karya Seni Berukuran Saku Pertama Dari Ice Age Indonesia Menunjukkan Dorongan Kuno Manusia Untuk Mendekorasi

Perilaku ini diperkirakan telah memungkinkan Homo sapiens untuk mengungguli atau bertahan lebih lama dari populasi hominin purba (seperti Neanderthal) dan menjajah seluruh planet. Kedua penemuan batu kecil ini adalah seni berukuran saku pertama yang ditemukan di halaman belakang kami, tetapi tidak mungkin menjadi yang terakhir.

Antonio Evans
Tempat Christo Dalam Sejarah Seni Bukannya Tanpa Kontroversi
Mitug

Tempat Christo Dalam Sejarah Seni Bukannya Tanpa Kontroversi

Tempat Christo Dalam Sejarah Seni Bukannya Tanpa Kontroversi – Sejarah seni ditulis seolah-olah orang jenius memimpin seluruh dunia kita, publik dari posisi yang dibayangkan di depan budaya. Kapan pun orang hebat lain meninggal, biografinya dicocokkan dengan kisah “kehidupan besar” yang berurutan dan karena itu intinya diilustrasikan, dilengkapi dengan contoh-contoh kejeniusan yang memimpin kemajuan. Ini benar tentang Christo.

Tempat Christo Dalam Sejarah Seni Bukannya Tanpa Kontroversi, Inilah Alasannya

Christo, yang meninggal pada usia 84 pada tanggal 31 Mei, biasanya digambarkan sebagai seorang jenius yang klasik. Paling sering dia digambarkan sendirian pria dengan pencapaian monumentalnya. Ini telah terjadi sepanjang karirnyasebagaimana halnya pada karya-karyanya yang terbaru seperti pada tahun 1960an dan 1970an: pria solo yang membungkus alam dan arsitektur (ia juga membungkus wanita dalam karya-karyanya yang paling awal). sbobet88 slot

Tetapi sebagian besar oeuvre Christo diciptakan bekerja dengan istrinya, artis Jeanne-Claude, yang meninggal pada tahun 2009, serta tim ahli. Dalam semua pelaporan tentang intervensi yang sangat ambisius, menarik perhatian, dan populer ke lanskap perkotaan dan pedesaan, kolaborator artis-istrinya termasuk di bawah namanya. Ini mencontohkan klise: “Di belakang setiap pria hebat berdiri seorang wanita.”

Christo dan istrinya menghasilkan berbagai eksperimen artistik termasuk tumpukan drum minyak dan payung bermil-mil dalam karya seni pahat. Tetapi karya seni mereka yang paling terkenal adalah pembungkus besar dari monumen perkotaan dan lingkungan pedesaan. Mereka membungkus sepotong pantai Australia di dekat Sydney di 1968-1969, beberapa pulau di Miami di 1980-1983, yang Pont Neuf di Paris pada tahun 1985 dan Reichstag di Berlin pada tahun 1995, antara lain.

Sampai plastik menjadi tidak mengikuti mode karena alasan lingkungan, intervensi artistik ini umumnya dipahami sebagai sesuatu yang menyenangkan secara estetika, cara yang ramah untuk menarik perhatian ke bentuk-bentuk yang berdekatan dan tertutup, yaitu garis pantai, pepohonan, jembatan kuno. Kejantanan dari pekerjaan berskala besar seperti itu cukup tidak terkecuali dalam konteks bahan pokok “seni tanah” pada saat itu, seperti Spiral Jetty (1970) karya Robert Smithson.

Kepercayaan Christo sebagai pencinta lingkungan terletak pada kenyataan bahwa pekerjaan itu hanya sementara, dan dia dan Jeanne-Claude membuka situs web mereka untuk menjelaskan bagaimana seni itu “bersih”. Pada abad ke-20, pekerjaan mereka diinterpretasikan sebagai ramah lingkungan dan terlibat secara ekologis, tetapi pada abad ke-21 penggunaan sumber daya tambang dan buatan manusia dalam jumlah besar yang terus-menerus mendapat kritik.

Konteks Adalah Segalanya

Saya mencatat ini untuk memberi contoh hanya satu dari perubahan dalam penerimaan seni dari waktu ke waktu. Selama karier Christo yang panjang, ada perubahan lain dalam cara menerima dan membingkai pekerjaan. Seniman selalu bekerja dalam konteks dan konteks berubah seiring waktu. Konteks menginformasikan bagaimana sebuah karya seni dipahami. Christo dan seniman tanah lainnya pernah mendapat apresiasi atas perwujudan anti-konsumerisme, praktik seni anti-kapitalis seni tanah harus didanai tetapi tidak bisa dijual.

Saat ini, bagian penting dari raison d’etre dan konteksnya dikalahkan oleh dunia seni kontemporer yang merangkul pasar dan gagasan neoliberal bahwa pasar menyediakan semua yang dibutuhkan masyarakat dan individu. Oleh karena itu, anti-konsumerisme Christo tidak lagi menjadi bagian dari narasinya. Perubahan dalam narasi yang diterima selalu layak untuk ditunjukkan.

“Masa lalu adalah negara asing” adalah klise, tetapi gagasan bahwa “mereka melakukan sesuatu secara berbeda di sana” sering diabaikan oleh sejarawan seni yang bertekad memberikan sejarah dengan kejeniusan. Untuk sejarawan dan karenanya bagi sebagian besar anggota masyarakat sebuah karya seni yang hebat itu bagus karena merupakan perwujudan kejeniusan. Ini tampaknya masuk akal, tetapi perlu dicatat bahwa gagasan jenius didefinisikan pada kelahiran sejarah seni di abad ke-18 yang mengacu pada zaman kuno klasik. Kejeniusan adalah produk dari lokasi tertentu: Eropa, dan khususnya jenis kelamin tertentu: pria.

Selanjutnya, definisi kejeniusan yang sempit ini diproyeksikan ke seluruh dunia dan seluruh umat manusia ditemukan kurang. Hubungan antara kejeniusan dan kemajuan saling terkait. Tanpa kejeniusan kita tidak memiliki kemajuan.

Seni Di Dunia Yang Terus Berubah

Prestasi dalam seni dan sains didorong oleh gagasan tentang kemajuan. Kebudayaan berkembang, menurut ceritanya, dari yang primitif dan tidak berbentuk, yang tidak mendapat informasi, menuju pencerahan yang, karena gagasan kemajuan ini adalah Pencerahan, agak rapi. Sebelum periode Modern, ada pemahaman yang berbeda tentang kemajuan. Kemajuan dipandang sebagai sesuatu yang menuju surga dan nilai usaha intelektual dan artistik manusia adalah untuk kemuliaan Tuhan.

Tujuan budaya dan seni, peran dan nilainya dalam masyarakat, telah berubah seiring waktu. Budaya, sikap dan bahkan definisi kata-kata seperti “seni” berubah. Namun, entah bagaimana saat ini dan sejak ditemukannya sejarah seni rupa dan konsep estetika, penerimaan kita terhadap sebuah karya seni tidak boleh berubah. Kami berasumsi bahwa karya seni yang hebat adalah karya seni yang hebat selamanya dan dalam semua konteks, itu universal dan transenden dari ruang dan waktu.

Kematian Christo menjadi contoh bagaimana sejarah kemajuan ditulis. Kejeniusan artis mencontohkan gagasan kemajuan yang diberikan. Kemajuan dibangun di atas pencapaian yang lebih besar, lebih baik, lebih mahal, dan lebih mahal, gagasan jenius yang menekan kolaboratif dan kompleks.

Tempat Christo Dalam Sejarah Seni Bukannya Tanpa Kontroversi, Inilah Alasannya

Dalam kematian, artis dipoles dan pencapaian mereka dibuat mengkilap dengan menghaluskan perubahan dari waktu ke waktu dalam penerimaan seni dan alasan pembuatan seni di tempat pertama.

Kesan yang dibentuk oleh sejarawan seni tradisional bahwa, selalu dan secara universal, kontribusi seniman terhadap kemajuan budaya ditetapkan dan tidak salah lagi, sebuah langkah maju yang stabil. Nyatanya, tidak seperti itu. Tidak pernah.

Antonio Evans
Lukisan Surealis Remedios Varo Mempesona Pasar Seni
Mitug

Lukisan Surealis Remedios Varo Mempesona Pasar Seni

Lukisan Surealis Remedios Varo Mempesona Pasar Seni – Terlepas dari keadaan yang belum pernah terjadi sebelumnya seputar lelang tahun ini, lonjakan pasar untuk karya-karya Remedios Varo terus naik dengan stabil melalui kisaran enam dan tujuh digit.

Yang memimpin lelang itu adalah penjualan kanvas ahli Varo Armonía (Autorretrato Sugerente) (1956), yang melampaui perkiraan tingginya sebesar $ 3 juta tanpa hambatan, meninggalkan lantai lelang virtual maraton Sotheby pada bulan Juni dengan memecahkan rekor $ 6,1 juta.

Rekor lelang Varo sebelumnya sebesar $ 4,3 juta ditetapkan pada tahun 2014 di Sotheby’s melalui lukisannya pada tahun 1960, Hacia la Torre. Penjualan Sotheby musim ini juga membuat lukisannya tahun 1959, Microcosmos (Determinismo) terjual mendekati perkiraan tertingginya yaitu $ 2 juta, seharga $ 1,8 juta, menjadikannya harga tertinggi kelima yang dibayarkan untuk karya seniman di lelang.

Lahir di Spanyol pada tahun 1908, Varo telah menjalani kehidupan yang sangat berwarna pada saat dia melarikan diri ke Meksiko pada awal Perang Dunia II, bergabung dengan jajaran ekspatriat seniman Eropa lainnya, termasuk Leonora Carrington, Kati Horna, Alice Rahon, dan Wolfgang Paalen.

Setelah meninggalkan suami pertamanya untuk tinggal bersama seniman dan aktivis Esteban Francés dan kemudian penyair Benjamin Péret di Paris pada tahun 1937, dia sudah aktif terlibat dalam lingkaran surealis dan mengenal Carrington, Paalen, André Breton, Dora Maar, Roberto Matta, dan Max Ernst. Pada 1938, karya Varo dimasukkan dalam Pameran Surealis Internasional di Paris. sbobet365

Namun, di Meksiko itulah Varo menemukan praktiknya yang paling benar sebagai seniman. Menikah dengan pelatihan formal yang ketat dengan tema surealis yang fantastis, Varo memberikan narasi magisnya dengan detail dan imajinasi yang luar biasa. Dia, bersama dengan Carrington dan Horna (ketiganya sering disebut sebagai “tiga penyihir”), akan membentuk hubungan penting untuk gerakan surealis di Meksiko. Varo meninggal karena serangan jantung di Mexico City pada usia 54 tahun.

Mengikuti hukum ekonomi fundamental, kelangkaan pekerjaan Varo adalah faktor pendorong utama yang sederhana dalam penilaian pasar yang semakin tinggi. “Varo meninggal secara tak terduga di puncak karirnya,” jelas Virgilio Garza, kepala seni Amerika Latin di Christie’s. “Itu, ditambah fakta bahwa proses melukisnya sangat lamban, berarti dia tidak menghasilkan banyak gambar.” Seperti kebanyakan karya seniman, hanya segelintir karya Varo yang dianggap mahakarya. Bagi Garza, lukisan-lukisan itu adalah lukisan yang memasukkan unsur-unsur khusus tetapi klasik arsitektur yang fantastis, objek animasi yang ajaib, dan narasi yang menghantui, seringkali tidak dapat dibedakan. “Itu adalah gambar-gambar yang Anda lihat dengan harga yang lebih tinggi,” katanya.

Karya yang baru-baru ini dijual di Sotheby adalah simbol dari karakteristik tersebut. Di Armonía, sosok kurus dan duduk dengan tenang di meja, mengatur berbagai pernak-pernik bercahaya termasuk kristal, daun, lobak, dan kerang sebagai catatan pada perangkat pembuatan musik yang ditemukan. Hantu, sosok biru debu muncul di cat retak dinding, membantu dalam aransemen musik. Lembaran tembus pandang dan tanaman keras kepala yang aneh, masing-masing beterbangan dan menyembul dari bawah papan lantai warna-warni yang diredam. Dua burung telah meletakkan sepasang telur di atas kursi jok yang berwarna merah tua; Di tengah penerbangan, salah satu burung keluar dari kusen pintu terbuka yang mengarah ke jurang berkabut berwarna karat. Sangat mudah tersesat dalam pekerjaan Varo.

Berkontribusi pada kelangkaan pasar itu, kolektor yang memiliki karya-karya hebat Varo jarang berpisah dengan mereka. Mereka seperti anak-anak mereka! kata Norris, menjelaskan ho kolektor Varo yang sangat setia. “Orang-orang yang memiliki potongan-potongan ini mengenalnya dan mendukungnya dan membeli karya-karyanya langsung dari cangkang kembali pada tahun 1963.”

Selain kelangkaan karya-karyanya, badan beasiswa yang terus berkembang dalam beberapa tahun terakhir telah membantu memperluas dan memperdalam minat di antara lembaga dan kolektor. Sebagai kurator menjadi lebih diinvestasikan dalam mengubah seni-bersejarah kelalaian dan memperluas cakupan narasi untuk memasukkan para seniman yang secara historis dikecualikan dari kanon, seniman seperti Varo pada akhirnya mendapatkan hak mereka. “Ada misogyny yang sangat resmi untuk Surealisme, seperti yang didifikasi oleh André Breton,” jelas Dawes. “Perempuan benar-benar tidak dianggap serius oleh anggota gerakan Surealis, dan dengan ekstensi, para kritikus dan pasar, yang konyol mengingat betapa integralnya mereka terhadap pembentukan ideologi yang mendefinisikan Surealisme, serta menjadi praktisi terbesar dari perspektif teknis.”

Pada tahun 2012, Norris dihubungi oleh Museum of Modern Art untuk membantu memperoleh karya Varo pertamanya, The Juggler (The Magician) (1956). Saat ini dipandang sebagai bagian dari rehang bersejarah museum, karya ini sekarang membanggakan tempat di dalam galeri Surealis lembaga, bersama orang-orang sezaman seperti Carrington, Ernst, dan Salvador Dalí. “Rehang itu sangat penting dalam hal mempertimbangkan bagaimana pasar diinformasikan oleh presentasi museum dan kurasi,” kata Dawes. “MoMA telah membuat pernyataan yang sangat kuat tentang perempuan Surealis dalam cara bahwa mereka telah rehung galeri Surealis mereka dan dalam akuisisi baru-baru ini mereka telah dibuat.”

Sangat dirayakan dalam komunitas seni Meksiko— retrospektif anumerta karya Varo di Museum of Modern Art di Mexico City pada tahun 1971 melampaui catatan kehadiran oleh Diego Rivera dan Jose Clemente Orozco, menarik penonton terbesar dalam sejarah museum – itu hanya karena beasiswa baru-baru ini bahwa Varo telah datang ke pandangan global. “Banyak museum yang mencari karyanya, yang merupakan masalah besar,” kata Norris. “Basis kolektor juga semakin global—kami bekerja di kolektor di Asia dan Eropa. Saya pikir itu hanya akan terus menjadi lebih global. Saya juga melihat kolektor muda seperti milenial datang ke pasar ini.”

Mengenai masa depan pasar Varo, dia percaya masih ada jalan panjang untuk pergi sebelum ketinggian sebenarnya dari nilai artis terungkap.

Antonio Evans
Studio Artis Terkenal yang Dapat Anda Kunjungi
Mitug

Studio Artis Terkenal yang Dapat Anda Kunjungi

Studio Artis Terkenal yang Dapat Anda Kunjungi – Dari tempat kreatif Francis Bacon yang terkenal disheveled hingga ruang kerja Constantin Brancusi, yang menampilkan perabotan buatan tangannya sendiri, studio seniman paling terkenal dalam sejarah memberikan banyak wawasan tentang praktik dan persona mereka. Apakah mereka akhirnya menjadi museum atau dikelola oleh yayasan (seperti The Easton Foundation, yang sedang dalam proses menyiapkan studio Louise Bourgeois di New York untuk pandangan publik), upaya restorasi memungkinkan ruang-ruang ini untuk dipertahankan dan dihargai lama setelah kematian seorang seniman. Berikut ini adalah sembilan studio seniman di lokasi dari Cape Town hingga Cornwall yang dapat Anda kunjungi secara langsung.

Joan Miró

Mallorca, Spanyol

Pelukis, pematung, dan pembuat cetak Spanyol Miró yang dikenal karena patung biomorfik dan komposisi abstraknya yang terinspirasi oleh adegan Dada yang pernah terlibat dengannya di Paris dan kaligrafi Jepang telah tumbuh menghabiskan waktu di Mallorca bersama neneknya. Ketika ia pindah ke sana secara permanen dari Barcelona pada tahun enam puluhan, ia menghancurkan banyak karya sebelumnya sepenuhnya, membuat jalan untuk fase baru kreativitas yang memiliki studio sendiri (untuk pertama kalinya) diberikan. https://www.auntieanniesfields.com/

Fundació Pilar i Joan Miró, yang ia dirikan untuk melestarikan studionya, sebagian sebagai inspirasi bagi seniman masa depan, tidak hanya mencakup studio pertama Miró dan museum karya-karyanya, tetapi juga Son Boter, sebuah rumah perkebunan pedesaan Mallorca abad ke-18 di belakang rumahnya sendiri yang ia beli sebagai ruang untuk membuat karya berskala besar. Saat ini, garasinya memiliki bengkel cetak yang berfungsi, diperbarui dari waktu Miró. https://www.auntieanniesfields.com/

Barbara Hepworth

Cornwall, Inggris

Pada awal Perang Dunia II, pematung Inggris Hepworth menetap di kota St. Ives di Cornwall, dengan suami keduanya, seniman Ben Nicholson. Dia menemukan Trewyn Studio satu dekade kemudian, dan tinggal dan bekerja di sana selama sekitar 25 tahun. Hepworth memalsukan patung-patungnya potongan batu dan kayu khas, dan gips plester untuk perunggunya di halaman rumah, di dua studio luar ruangan, dan di rumah itu sendiri.

Sesuai instruksinya, property termasuk taman yang dikuratorinya untuk menampilkan patung-patungnya diubah menjadi museum setelah dia meninggal, dan telah dioperasikan di bawah naungan Tate London sejak 1980. Studio ukiran tetap hampir bagaimana dia meninggalkannya, sementara studio plester sekarang mencakup alat dan karya yang sedang berlangsung yang dimaksudkan untuk memberi ruang fokus pendidikan dan narasi. Museum ini buka hingga 29 Oktober, sebelum ditutup untuk konservasi hingga musim semi 2018.

Konstantinus Brancusi

Paris, Prancis

Pematung kelahiran Rumania Brancusi berbasis di Paris selama lebih dari 50 tahun. Awalnya terletak di sepanjang gang yang disebut Impasse Ronsin, rumah dan studionya menarik seniman terkemuka termasuk Yves Klein, Jean Tinguely, Max Ernst, dan Niki de Saint Phalle, pada tahun 1950-an dan 60-an. Selama masa jabatan Brancusi, ia tidak hanya menciptakan karya-karya patungnya di sana, tetapi juga mengembangkan semacam museum pribadi untuk menampilkannya. Dia membayangkan potongan-potongannya dalam pengelolan dan mengatur ulang mereka untuk mencapai rasa harmoni yang sempurna, akhirnya berhenti untuk membuat karya-karya baru dan mengisi ruang kosong.

Ketika ia meninggal, Brancusi meninggalkan segala sesuatu di studionya kepada pemerintah Perancis-dan ditentukan bahwa ruang harus sempurna diciptakan kembali. Studio yang direkonstruksi dan direlokasi sekarang ada di dalam ruang seperti museum yang dirancang Renzo Piano di samping Centre Pompidou dan menampung sekitar 137 patung Brancusi.

Georgia O’Keeffe

Abiquiú, New Meksiko

Pada tahun 1949, lama setelah ia mulai menciptakan lukisan bunga nya yang ikonik dan abstrak, O’Keeffe meninggalkan New York dan pindah lintas negara untuk melanjutkan pengamatan dekatnya tentang dunia alam di dataran gurun New Mexico. Di sana, rumah dan studionya, di Abiquiú—yang dibelinya pada tahun 1945 sekarang menjadi National Historic Landmark, beroperasi bersama dengan kampus Santa Fe di Georgia O’Keeffe Museum, sekitar 90 mil jauhnya. Sementara ia tinggal dan bekerja di gedung selama sekitar 30 tahun, O’Keeffe menciptakan puluhan lukisan berdasarkan rumah dan sekitarnya, termasuk pemandangan Sungai Chama. Pengunjung dapat memesan tur sampai sebelum Thanksgiving, sebelum bangunan ditutup untuk musim, hingga Maret.

Fransiskus Bacon

Newcastle upon Inggris, Inggris Raya

Enam tahun setelah kematian Bacon pada tahun 1992, sebuah tim arkeolog, kurator, dan konservatori memindahkan seluruh studio London-nya ke The Hugh Lane, sebuah galeri seni yang dikelola kota di Dublin, tempat kelahiran Bacon. Ruang telah diciptakan kembali untuk mencerminkan kondisi yang tepat Bacon meninggalkannya di-yaitu, berantakan. Itu adalah rumah dan tempat kerja seniman selama tiga dekade, dan rekonstruksi Dublin mencakup segala sesuatu dari struktur fisik itu sendiri hingga akumulasi debu yang berkumpul di ruangan. Baik upaya relokasi maupun katalogisasi ribuan benda yang tersisa di studio merupakan terobosan dalam praktik pengarsipan museum.

Antonio Evans
Constantin Brancusi Dengan Berani Mendefinisikan Ulang Patung
Mitug

Constantin Brancusi Dengan Berani Mendefinisikan Ulang Patung

Constantin Brancusi Dengan Berani Mendefinisikan Ulang Patung – Seni modern dibahas, dikagumi, terkenal, dan terkadang dicaci maki karena berbagai alasan, tetapi ada satu kualitas penentu yang biasanya menonjol sebagai titik daya tarik atau perselisihan: Ia tidak terlihat seperti sesuatu yang “nyata”.

Dan memang benar banyak seni modern dari abad ke-20 tidak memiliki kemiripan fisik sepenuhnya dengan subjeknya. Namun menurut pematung Constantin Brancusi, konsep “menjadi nyata” lebih dari sekadar terlihat seperti alam. Ide ini sangat penting bagi karyanya dan itulah yang membuatnya begitu kontroversial pada masanya, dan sangat penting bagi evolusi seni pahat. sbobet slot

Brancusi lahir pada tahun 1876 di pedesaan Rumania. Ayahnya adalah seorang petani, dan Brancusi tumbuh dengan jelas di luar narasi tradisional Eropa Barat di mana banyak rekannya bercokol. Sepanjang hidupnya, dia merangkul posisi orang luar dari sandal yang dia kenakan hingga cara dia menata rambut dan musik folk yang dia dengarkan. Demikian pula, karya seninya tidak mengikuti gaya pendahulunya di Barat. Itu melanggar tradisi akademis, dan membantu membentuk prinsip-prinsip modernisme radikal reduktif dan non-representasional yang dirayakan dan dicemooh hari ini.

Pada zaman Brancusi, kritik seni rupa konvensional lebih mengutamakan keserupaan fisik dengan kehidupan. Brancusi menentang konvensi dengan menciptakan bentuk tak terduga yang hampir secara lucu menentang bentuk yang disarankan judul mereka. Karya seperti Bird in Space (1923) dan Princess X (1916) hampir tidak terlihat seperti burung atau putri mana pun yang pernah Anda lihat. Tapi, menurut Brancusi, justru itulah intinya, dan yang membuat pahatannya lebih jujur. “Apa yang nyata bukanlah bentuk eksternal,” katanya, “tetapi esensi dari segala sesuatu.”

Bagi orang yang mengukur keterampilan dengan seberapa baik seseorang dapat membuat otot berdesir di marmer, ini mengejutkan, dan bahkan sedikit konyol. Namun pada akhirnya, Brancusi menantang dunia seni untuk mempertimbangkan kembali apa sebenarnya patung itu dan apa fungsinya. Dan ini mengubah cara generasi masa depan membuat dan memandang seni.

Sekarang, Brancusi adalah salah satu pematung paling terkenal di abad ke-20, yang didirikan dengan kokoh di kanon. Bulan Mei yang lalu, Christie menjual La Jeune Fille Sophistiquée (Potret de Nancy Cunard) (1928/1932) dengan memecahkan rekor $ 71 juta. Karyanya berada di Centre Pompidou, Tate Modern, dan Metropolitan Museum of Art. Serangkaian 11 patung penting karya seniman juga menjadi pusat pameran baru, yang dipamerkan di Museum of Modern Art dari 22 Juli hingga 18 Februari.

Namun penonton tidak selalu menerima pendekatan Brancusi terhadap seni pahat. Pada tahun 1920, penyelenggara Salon des Indepéndants di Paris memaksa Brancusi untuk memindahkan patung Putri X karena terlalu terang-terangan lingga. Dan pada tahun 1927, seorang pejabat bea cukai terkenal menolak untuk mengakui Bird in Space sebagai sebuah karya seni, dan sebaliknya mencoba untuk menerapkan bea cukai 40 persen yang biasanya diterapkan pada barang-barang seperti peralatan dapur. Menurut undang-undang pajak AS, patung didefinisikan sebagai “reproduksi dengan ukiran atau casting, tiruan dari benda-benda alam, terutama bentuk manusia”. Brancusi melanjutkan dengan melancarkan pengaduan hukum formal yang mengarahkan pengadilan dan publik untuk mempertimbangkan kembali definisi seni.

Memang benar bahwa definisi patung secara harfiah telah ditetapkan di atas batu sebelum Brancusi. Dunia tidak siap untuk karyanya karena tidak terlihat seperti patung selama beberapa ratus tahun terakhir. Seniman seperti Michelangelo telah memukau dunia dengan keterampilan teknis mereka dengan berusaha untuk menciptakan kembali bentuk manusia sedekat mungkin. “Saya melihat malaikat di marmer,” komentar Michelangelo, “dan saya mengukir sampai saya membebaskannya.”

Patung Brancusi tidak terlalu seperti malaikat, dan mungkin tampak kurang mengesankan karena tidak memamerkan potongan teknis yang sama. Tetapi ini bukan karena Brancusi tidak memiliki keterampilan. Dia sempat magang di bawah pematung Prancis Auguste Rodin, dan di awal karirnya, dia dipuji karena perannya sebagai of anatomi manusia. Écorchés awal Brancusi, atau studi otot, sangat ahli sehingga dipamerkan di Romanian Athenaeum pada tahun 1903.

Beberapa ide favorit Brancusi untuk dijelajahi sebenarnya sangat abstrak misalnya, Endless Column (1918), dengan geometri bergerigi dan bersudut, mengisyaratkan kemungkinan pengulangan tanpa batas. Tapi melihat patung itu secara langsung, Anda mendapatkan kesan bahwa Brancusi telah membuat abstrak lebih mudah dicerna.

Salah satu contoh terbaik dari hal ini terlihat pada patungnya pada tahun 1916 The Kiss, bentuk seperti balok yang menggambarkan dua kekasih yang berpelukan. Patung itu menyandang judul yang sama dengan karya Rodin tahun 1882, yang sangat mirip aslinya sehingga batunya terlihat lembut. Tetapi hampir tidak ada cara untuk membandingkan kedua patung tersebut; mereka terlihat seperti berasal dari dunia yang berbeda sama sekali.

Dengan The Kiss versinya, Brancusi tidak mencoba untuk mengalahkan teknik Rodin atau mengatakan bahwa pahatannya lebih mirip dua kekasih yang berciuman. Sebaliknya, dia memaksa orang untuk melakukan percakapan tentang balok marmer dan apa artinya bagi pemirsa untuk memahami dua bentuk yang digabungkan bersama. Brancusi tidak terkesan dengan realisme teknis dia mengisyaratkan bahwa ada hal lain yang tidak kita lihat, dan membiarkan kita memikirkan kemungkinan itu.

Brancusi senang mengutip Nicolas Boileau yang mengatakan “rien n’est beau que la vrai” tidak ada yang indah kecuali yang menyesali. Apa yang ditunjukkan karyanya berulang kali adalah bahwa tidak adil, atau bahkan tidak mungkin, untuk menentukan satu definisi tentang apa yang indah atau benar. Dan perlahan, patung Brancusi mulai mengkomunikasikan pesan ini kepada orang lain.

Antonio Evans
Patung Venus Prasejarah Masih Membingungkan Para Ahli
Mitug

Patung Venus Prasejarah Masih Membingungkan Para Ahli

Patung Venus Prasejarah Masih Membingungkan Para Ahli – Pinggul yang lebar, payudara yang besar, pudenda yang tidak tertutup ini adalah ciri-ciri yang paling banyak dibicarakan dari patung wanita Zaman Batu yang umumnya dikenal sebagai figur Venus atau figur kesuburan. Berasal sekitar 40.000 SM, patung prasejarah telah disebut-sebut sebagai beberapa contoh seni figuratif paling awal yang dikenal di seluruh dunia. Namun mereka diselimuti misteri, dan interpretasinya telah dipengaruhi oleh proyeksi budaya selama lebih dari satu abad.

Arkeolog telah membacanya sebagai patung dewi, jimat kesuburan, rupa ibu yang dihormati, dan jimat makanan. Banyak sejarawan berfokus pada lekuk tubuh mereka yang berlebihan, tetapi lebih sedikit yang menyoroti kisaran tipe tubuh yang mereka gambarkan. Contoh yang lebih terkenal, seperti Venus of Willendorf yang terkenal, sangat menggairahkan, sementara patung-patung lain yang kurang dikenal biasanya lebih ramping dan lentur. Kita mungkin tidak pernah tahu persis mengapa patung-patung ini dipalsukan dan siapa yang mereka gambarkan, tetapi itu tidak menghentikan para ilmuwan untuk berhipotesis. sbobet88 slot

Penemuan modern pertama dari patung Paleolitikum terjadi pada tahun 1864, berkat seorang bangsawan dan arkeolog amatir bernama Paul Hurault, Marquis de Vibraye ke-8. Saat mencari-cari di situs penggalian Laugerie-Basse di wilayah Dordogne di barat daya Prancis, Hurault menemukan objek gading setinggi 3 inci. Meskipun tanpa kepala dan tanpa lengan, sosok itu mempertahankan dada yang jelas dan vulva yang diartikulasikan dengan jelas, dengan berani menegaskannya sebagai perempuan. Hurault, dengan bakat satir, menamainya Venus Impudique, atau “Venus yang tidak sopan”, sebuah pembalikan lucu dari tipologi patung Yunani klasik Venus pudica, di mana sosok wanita dengan sopan menutupi alat kelaminnya dengan tangan atau kain. Sebaliknya, sosok Paleolitikum itu seakan tak bersusah payah menyembunyikan seksualitasnya.

Hurault tidak mengetahuinya saat itu, tetapi lebih dari 200 patung serupa dari era Paleolitik Muda akan digali di seluruh Eropa dan Asia, dari Prancis hingga Siberia, selama satu setengah abad berikutnya. Dia tidak hanya meluncurkan serentetan penemuan ini, tetapi juga tradisi menyebut patung-patung itu “Venuses”. Itu adalah nama yang agak menyesatkan, mengingat istilah itu berasal dari Yunani kuno, puluhan ribu tahun setelah patung-patung Paleolitik dibuat, untuk menggambarkan dewi cinta, seks, dan kesuburan.

Diukir pada era sebelum bahasa tertulis, tidak ada bukti yang jelas tentang apa yang diwakili oleh patung-patung ini. Petunjuk paling akurat yang dimiliki para sarjana tentang apa yang digambarkan oleh patung-patung itu dan mengapa terletak pada kualitas formal dari gambar itu sendiri. Hampir semuanya mungil panjangnya beberapa inci dan cukup kecil untuk dipegang dengan tangan atau tali ke seutas tali (beberapa bahkan berisi simpul berukir, tampaknya untuk tujuan ini). Orang-orang yang memalsukannya menjalani kehidupan nomaden dan beberapa sarjana menduga bahwa mereka sengaja membuat patung-patung itu kecil dan ringan untuk memudahkan pengangkutan. Hipotesis ini menunjukkan nilai pribadi dari patung-patung itu dan kemungkinan penggunaan devosionalnya. Dalam bacaan ini, patung bukanlah objek yang akan dibuang, tetapi diangkut dengan pembuatnya dipegang atau digantung di dekat tubuh saat berkeliaran dari satu tempat ke tempat lain.

Gender berfungsi sebagai benang merah lainnya di seluruh patung Paleolitikum. Sebagian besar terang-terangan perempuan, dan menurut banyak sarjana, bahkan contoh yang ambigu mengandung atribut perempuan. Meski para sejarawan mengakui bahwa figur laki-laki dari periode ini masih bisa muncul ke permukaan, tampaknya perempuan jauh lebih sering digambarkan. Tapi kenapa? Apa gunanya mereka? Menurut arkeolog Nicholas J. Conard, satu penjelasan muncul di atas yang lain: “Atribut seksual mereka yang digambarkan dengan jelas,” tulisnya dalam Nature terbitan 2009, “menunjukkan bahwa mereka adalah ekspresi kesuburan langsung atau tidak langsung.”

Conard membuat klaim ini, yang juga didukung oleh banyak arkeolog dan sejarawan lain, dalam sebuah artikel yang mengumumkan penemuannya tentang patung perempuan Paleolitik tertua yang diketahui, yang berumur antara 40.000 dan 35.000 SM. (Patung lain jatuh lebih dekat antara 30.000 dan 20.000 SM) Pada tahun 2008, ia dan timnya menggali enam potong kecil gading mammoth dari gua Hohle Fels di barat daya Jerman. Tetapi hanya setelah menemukan fragmen terbesar ​​bentuk bulat yang menggumpal pentingnya penemuan itu menjadi jelas. Itu adalah mayoritas dari batang tubuh: inti dari sosok wanita yang payudara besar, perut buncit, dan vulva luar biasa menjadi pusat perhatian. Sebagai perbandingan, lengan dan kakinya tampak kecil, dan sebagai pengganti kepala berdiri sebuah cincin berukir (mungkin untuk penggunaan asli sebagai liontin). Conrad terus terang menafsirkannya: “Kepala dan kaki tidak penting. Ini tentang seks, reproduksi,” katanya kepada Majalah Smithsonian pada 2012.

Proporsi ini, di mana area tubuh yang terkait dengan reproduksi (vulva, payudara, pinggul, perut) menonjol, adalah ciri khas dari banyak patung Venus. Venus of Willendorf, yang berasal dari sekitar 25.000 tahun yang lalu dan ditemukan pada tahun 1908, memiliki gambaran yang serupa. Payudara menggantung patung itu bertumpu pada perut montok, di mana pinggul yang melimpah dan vulva yang menonjol muncul. Dibandingkan dengan Hohle Fels Venus, lengan Willendorf bahkan lebih kecil dan kurang tegas, dan meskipun dia memiliki kepala, fitur-fiturnya tampak sengaja dikaburkan oleh pola ukiran yang menyerupai topi anyaman atau rambut yang dianyam.

Tapi tidak semua patung Paleolitik begitu banyak, atau organ seksual mereka menonjol. Beberapa ramping atau memanjang; yang lain dihiasi dengan tanda silang atau tanda lain yang mungkin merujuk pada pakaian. Bentuk dan fitur patung berfluktuasi, mungkin menunjukkan luasnya model, cita-cita estetika, atau kegunaannya. Conrad mungkin yakin bahwa patung mewakili kesuburan, tetapi sarjana lain telah membuat argumen yang meyakinkan untuk fungsinya sebagai figur dewi, objek keagamaan atau perdukunan, atau simbol dari organisasi sosial matriarkal.

Kemungkinan interpretasi tampaknya tidak terbatas, tetapi seperti yang disarankan oleh arkeolog Olga Soffer, harus ada batasan. Soffer memperingatkan agar tidak menganalisis patung-patung itu dalam istilah “seni Eropa Barat abad ke-18”. Sementara julukan menyesatkan “Venus” tampaknya telah macet, legiun arkeolog dan sejarawan terus menafsirkan kembali cache dari patung-patung ini, mendorong mereka keluar dari label sempit.

Antonio Evans
Inilah 10 Fakta Guernica Yang Dibuat Oleh Picasso
Mitug

Inilah 10 Fakta Guernica Yang Dibuat Oleh Picasso

Inilah 10 Fakta Guernica Yang Dibuat Oleh Picasso – Berikut merupakan fakta mengenai lukisan Guernica yang dilukis oleh Picasso.

1. Guernica, lukisan politik Picasso yang paling penting, tetap relevan sebagai sebuah karya seni dan sebagai simbol protes, dan lukisan itu membuat kenangan akan mimpi buruk kota Basque tetap hidup. Ketika Picasso tinggal di Paris yang diduduki Nazi selama Perang Dunia II, seorang perwira Jerman diduga bertanya kepadanya, setelah melihat foto Guernica di apartemennya, “Apakah Anda melakukan itu?” Picasso menjawab, “Tidak, Anda melakukannya.” sbobet88

2. Guernica adalah lukisan pesanan. Setelah pemboman Guernica, Picasso diberi tahu tentang apa yang terjadi di negara asalnya. Saat itu, dia sedang mengerjakan mural untuk Pameran Paris yang akan diadakan pada musim panas 1937, atas perintah pemerintah Republik Spanyol. Dia meninggalkan ide aslinya dan pada 1 Mei 1937, mulai di Guernica. Ini memikat imajinasinya tidak seperti ide sebelumnya, yang telah dia kerjakan dengan agak tanpa perasaan, selama beberapa bulan. Menarik untuk dicatat, bagaimanapun, bahwa pada pembukaannya di Pameran Paris musim panas itu, ia hanya mendapat sedikit perhatian. Itu kemudian akan mencapai kekuatannya sebagai simbol kuat dari kehancuran perang terhadap kehidupan yang tidak bersalah.

3. Mungkin karena Picasso mengetahui tentang pengeboman Guernica melalui membaca artikel di koran, saran tentang kertas koran yang robek muncul di lukisan. Ini juga berfungsi sebagai surat berantai kuda.

4. Patriotisme dan rasa keadilan Picasso melebihi lokasi fisik. Dia belum pernah ke Spanyol, negara kelahirannya, selama beberapa tahun ketika Nazi mengebom kota Guernica di Spanyol pada tahun 1937. Dia tinggal di Paris pada saat itu, dan tidak pernah kembali ke tempat kelahirannya untuk tinggal. Namun demikian, serangan tersebut, yang sebagian besar menewaskan wanita dan anak-anak.

5. Pada tahun 1974, seorang aktivis dan seniman antiperang, Tony Shafrazi, melakukan pengecatan mural dengan cat semprot merah sebagai pernyataan protes. Itu dipamerkan di Museum Seni Metropolitan New York pada saat itu. Para kurator segera membersihkan lukisan itu, dan Shafrazi masuk penjara, dituduh melakukan kejahatan kriminal.

6. Picasso bersikeras bahwa Guernica tetap di Met sampai Spanyol mendirikan kembali republik demokratis. Baru pada tahun 1981, setelah kematian artis dan Franco, negosiator Spanyol akhirnya dapat membawa pulang mural tersebut.

7. Selama pembuatan “Guernica”, Picasso mengizinkan seorang fotografer mencatat kemajuannya. Sejarawan percaya bahwa foto hitam dan putih yang dihasilkan menginspirasi seniman untuk merevisi karya seni versi sebelumnya yang diwarnai menjadi palet yang lebih tegas dan lebih berdampak.

8. Seniman tidak hanya menggunakan warna yang kurang untuk mengekspresikan kejanggalan setelah pengeboman, ia juga secara khusus memesan cat rumah dengan sedikit kilap. Hasil akhir matte, selain nuansa abu-abu, putih, dan biru-hitam, memberikan kesan yang blak-blakan namun tanpa hiasan untuk karya seni.

9. Lukisan dinding berisi beberapa gambar tersembunyi. Salah satunya adalah tengkorak, yang ditumpangkan di atas tubuh kuda. Yang lainnya adalah banteng yang terbentuk dari kaki kuda yang tertekuk. Tiga belati menggantikan lidah di mulut kuda, banteng, dan wanita yang menjerit.

10. Dua dari gambar tanda tangan artis, Minotaur dan Harlequin, di Guernica. Minotaur, yang melambangkan kekuatan irasional, mendominasi pekerjaan di sisi kiri. Harlequin, komponen yang sebagian tersembunyi di tengah kiri, menangis air mata berbentuk berlian. Harlequin secara tradisional melambangkan dualitas. Dalam ikonografi seni Picasso, itu adalah simbol mistik dengan kekuatan atas hidup dan mati. Mungkin artis memasukkan harlequin untuk mengimbangi kematian yang dia gambarkan di mural.

Antonio Evans
Guernica oleh Pablo Picasso Yang Sangat Terkenal
Mitug

Guernica oleh Pablo Picasso Yang Sangat Terkenal

Guernica oleh Pablo Picasso Yang Sangat Terkenal – Mungkin karya Picasso yang paling terkenal, Guernica tentu saja merupakan pernyataan politiknya yang paling kuat, yang dilukis sebagai reaksi langsung terhadap praktik pengeboman kasual Nazi yang menghancurkan di kota Basque Guernica selama Perang Saudara Spanyol.

Guernica menunjukkan tragedi perang dan penderitaan yang ditimbulkannya pada individu, terutama warga sipil yang tidak bersalah. Karya ini telah mendapatkan status monumental, menjadi pengingat abadi akan tragedi perang, simbol anti-perang, dan perwujudan perdamaian. Setelah selesai Guernica ditampilkan di seluruh dunia dalam tur singkat, menjadi terkenal dan diakui secara luas. Tur ini membantu membawa Perang Saudara Spanyol menjadi perhatian dunia. http://185.149.112.141/

Karya ini dipandang sebagai penggabungan gaya pastoral dan epik. Pembuangan warna memperkuat drama, menghasilkan kualitas reportase seperti dalam rekaman fotografis. Guernica berwarna biru, hitam dan putih, tinggi 3,5 meter (11 kaki) dan lebar 7,8 meter (25,6 kaki), sebuah kanvas berukuran mural yang dilukis dengan minyak. Lukisan Guernica ini bisa dilihat di Museo Reina Sofia di Madrid.

Interpretasi Guernica sangat bervariasi dan bertentangan satu sama lain. Ini meluas, misalnya, ke dua elemen dominan mural: banteng dan kuda. Sejarawan seni Patricia Failing berkata, “Banteng dan kuda adalah karakter penting dalam budaya Spanyol. Picasso sendiri pasti menggunakan karakter ini untuk memainkan banyak peran yang berbeda dari waktu ke waktu. Hal ini membuat tugas untuk menafsirkan arti spesifik dari banteng dan kuda menjadi sangat penting. tangguh. Hubungan mereka adalah sejenis balet yang dikandung dalam berbagai cara sepanjang karier Picasso. “

Beberapa kritikus memperingatkan agar tidak mempercayai pesan politik di Guernica. Misalnya, banteng yang mengamuk, motif utama kehancuran di sini, sebelumnya telah menggambarkan, apakah sebagai banteng atau Minotaur, sebagai ego Picasso. Namun, dalam hal ini banteng mungkin mewakili serangan fasisme. Picasso mengatakan itu berarti kebrutalan dan kegelapan, mungkin mengingatkan pada kenabiannya. Ia juga menyatakan bahwa kuda itu mewakili rakyat Guernica.

Guernica adalah sebuah kota di provinsi Biscay di Basque Country. Selama Perang Saudara Spanyol, itu dianggap sebagai benteng utara gerakan perlawanan Republik dan episentrum budaya Basque, menambah signifikansinya sebagai target.

Pasukan Republik terdiri dari berbagai faksi (Komunis, Sosialis, Anarkis, untuk beberapa nama) dengan pendekatan yang sangat berbeda terhadap pemerintah dan tujuan akhirnya, tetapi merupakan oposisi yang sama terhadap Nasionalis. Kaum Nasionalis, yang dipimpin oleh Jenderal Francisco Franco, juga mengalami faksionalisasi tetapi pada tingkat yang lebih rendah. Mereka mencari kembali ke masa keemasan Spanyol, berdasarkan hukum, ketertiban, dan nilai-nilai tradisional keluarga Katolik.

Sekitar pukul 16:30 pada hari Senin, 26 April 1937, pesawat tempur Legiun Condor Jerman, yang dipimpin oleh Kolonel Wolfram von Richthofen, mengebom Guernica selama sekitar dua jam. Jerman, saat ini dipimpin oleh Hitler, telah memberikan dukungan material kepada kaum Nasionalis dan menggunakan perang sebagai kesempatan untuk menguji senjata dan taktik baru. Belakangan, pemboman udara yang intens menjadi langkah awal yang penting dalam taktik Blitzkrieg.

Guernica adalah ikon seni modern, Mona Lisa untuk zaman kita. Ketika Leonardo da Vinci membangkitkan cita-cita Renaisans tentang ketenangan dan pengendalian diri, Guernica harus dilihat sebagai komentar Picasso tentang apa yang sebenarnya dapat disumbangkan oleh seni terhadap pernyataan diri yang membebaskan setiap manusia dan melindungi individu dari kekuatan luar biasa seperti kejahatan politik, perang, dan kematian.

Antonio Evans
Sober living

Alcohol-Induced Cardiomyopathy: Causes, Symptoms and Treatment

Clinical observation confirmed that several days to weeks of drinking show higher and weeks of abstinence lower pressures. Alcohol intake may also interfere with the drug and dietary treatment of hypertension. This altogether supports a causal relationship between alcohol consumption and a hypertensive state. For more than 3000 years, alcoholic beverages have been consumed in multiple societies through the centuries and cultures. Pulverized antimony was used as eye shadow by Egyptian women and named al-Kol. In the 16th century Paracelsus Theophrastus Bombastus from Hohenheim used this term for distilled liquor and called it alcohol [15].

The Prognostic Factors of Alcoholic Cardiomyopathy

  • Results from serum chemistry evaluations have not been shown to be useful for distinguishing patients with alcoholic cardiomyopathy (AC) from those with other forms of dilated cardiomyopathy (DC).
  • Ballester specifically analysed the effects of alcohol withdrawal on the myocardium using antimyosin antibodies labelled with Indium-111[72].
  • In particular, mitochondrial DNA is highly susceptible to oxidative stress because of the close proximity to ROS generation and lack of protective histones and DNA repair mechanisms compared to nuclear DNA (55).
  • If your heart is severely damaged, your doctor may recommend an implantable defibrillator or pacemaker to help your heart work.
  • In pathophysiological terms, heart failure in liver cirrhosis belongs to the hyperdynamic cardiomyopathies.
  • Oxidative stress and inflammation contribute to the death of heart muscle cells (cardiomyocytes) through a process called apoptosis.

Mitochondria play an essential role in cellular metabolism, and disruption of their function can have profound effects on the entire cell. The myocyte mitochondria in the hearts of persons exposed to alcohol are clearly abnormal in structure, and many believe that this may be an important factor in the development of AC. In that study, the daily co-administration of vitamin E (10 mg/kg) or another antioxidant, cyanidanol-3 (300 mg/kg), prevented these changes (40). Ethanol-induced changes may be related to oxidative or non-oxidative pathways of ethanol metabolism. More than one mechanism may be activated that lead to the multitude of ethanol-induced changes in cellular proteins and cell function. As reviewed in text, data from pharmacologic and transgeneic approaches, have revealed an important role for oxidative stress and the hormone, angiotensin II.

alcoholic cardiomyopathy is especially dangerous because

Clinical Characteristics and Prevalence

The NIAAA provides an Alcohol Treatment Navigator, where people can learn about AUD treatments and access care and support networks locally. According to the NIAAA, many people with AUD recover, although setbacks are common among those receiving treatment. A 2023 article notes that ACM carries a more positive outlook than ischemic cardiomyopathy, which refers to heart damage that typically occurs due to CAD. As a point of reference, consuming 80 grams of alcohol daily for at least 5 years can significantly increase the risk of ACM.

Study design:

Chronic heavy drinking is typically defined as consuming more than 15 drinks per week for men and more than 8 drinks per week for women. To our knowledge, our study determined prognostic factors for ACM outcome in the largest cohort of ACM patients described to date. Our data show that the variables most closely predicting a poor outcome in ACM are QRS duration, SBP and NYHA classification at admission.

Travel to high altitudes could be dangerous for people with heart conditions – American Heart Association News

Travel to high altitudes could be dangerous for people with heart conditions.

Posted: Thu, 09 Sep 2021 07:00:00 GMT [source]

alcoholic cardiomyopathy is especially dangerous because

Alcohol-induced cardiomyopathy is a relatively uncommon condition, occurring in about 1% to 2% of people who consume more than the recommended amounts of alcohol. Alcohol-induced cardiomyopathy can affect anyone who consumes too much alcohol, even those who don’t have alcohol use disorder. However, it’s more likely to happen in people with alcohol use disorders or who have genetic mutations that cause them to process alcohol more slowly. Biomarkers of heart failure such as NT-proBNP and of myocardial necrosis such as the troponins and CKMB indicate heart failure or myocytolysis. In cases of ACM where heart damage is substantial, a heart transplant may be considered.

  • Alcohol-induced cardiomyopathy is a condition where your heart changes shape because of long-term heavy alcohol use.
  • The quantity of alcohol consumed daily and the duration of alcohol misuse are linked to the development of ACM, although the precise thresholds for causing cardiac dysfunction remain unknown.
  • Third and fourth heart sounds can be heard, and they signify systolic and diastolic dysfunction.
  • Ethanol-fed animals had reduced systolic contractility and responses to adrenergic stimuli (isoproterenol) compared to control animals (42).
  • As the syndrome could be attributed to the toxicity of this trace element, the additive was prohibited thereafter.

What tests will be done to diagnose this condition?

The AHA suggests moderate alcohol consumption for those who choose to drink, defining moderation as up to one drink per day for women and up to two drinks per day for men. It is important to note that these guidelines apply to healthy adults and should be adjusted for individuals with certain health conditions or those taking https://ecosoberhouse.com/ specific medications. In addition, the AHA advises against starting to drink alcohol solely for potential health benefits, as the risks can outweigh the advantages. It is crucial to exercise caution and be aware of individual tolerance and personal health circumstances when making decisions about alcohol consumption.

Ethanol is converted into acetaldehyde, a toxic substance, and free radicals during this process. Clinical Review BoardAll Healthwise education is reviewed by a team that includes physicians, nurses, advanced practitioners, registered dieticians, and other healthcare professionals. Individuals who completely quit alcohol generally alcoholic cardiomyopathy is especially dangerous because have improved overall outcomes. They typically require fewer hospitalizations and show improved heart function on ECG readings. For some people, a combination of factors could also lead to a weakened heart. This can cause heart inflammation, leading to an atypically fast heart rhythm, such as atrial fibrillation (AF).

Basic studies on molecular mechanisms of myocardial damage

  • In the setting of acute alcohol use or intoxication, this is called holiday heart syndrome, because the incidence is increased following weekends and during holiday seasons.
  • Studies that have assessed the prevalence of ACM among IDCM patients have found high alcohol consumption in 3.8% to 47% of DCM patients.
  • Thiamine (200 mg once daily), multivitamins, vitamin B-12, folate, and mineral supplementation are beneficial for patients with AC because of the significant prevalence of concomitant nutritional or electrolyte deficiencies in these patients.
Antonio Evans
Bookkeeping

The Founders Guide to Startup Accounting

accountant for startup business

If you’re not using checks, keep proof of your payment together with the bill if the payment goes missing. Laura is a freelance writer specializing in small business, ecommerce and lifestyle content. As a small business owner, she is passionate about supporting other entrepreneurs and sharing information that will help them thrive. The journal entries are made from documents that contain financial information, such as receipts, bills, and invoices. The Bureau of Labor Statistics states that accounts are paid $78,000 annually or $37.50 per hour on average.

Side Note: What is the Difference Between a Bookkeeper and an Accountant?

accountant for startup business

Vanessa Kruze, a seasoned CPA, has an impressive track record prior to establishing Kruze Consulting. Her experience includes pivotal roles at Deloitte Tax and as a controller for a substantial startup with over 120 employees and $20 million in revenue. We recommend QuickBooks Online (“QBO”) as the right bookkeeping software for startups and high-growth small businesses. https://marylanddigest.com/navigating-financial-growth-leveraging-bookkeeping-and-accounting-services-for-startups/ It’s the leading small business accounting software in the US for small businesses, and interfaces nicely with other automated systems like payroll. Deferred Revenue is when a client pays you ahead of you delivering a service. For example, if you charge a client’s credit card for a 12-month subscription, contracts – you just got 12 months of cash from that client!

Global Venture Funding In Q1 2024 Shows Startup Investors Remain Cautious

Our clients span the typical “Silicon Valley” style business models and industry focuses, from SaaS to Hardware to Biotech to Crypto … well, you get the picture. As a remote-first company, with offices in several cities like Austin and NYC in addition to our California locations, we are able to take on clients anywhere in the United States. Whichever path you choose, prioritize clarity, strategy and adaptability. Your financial journey is a crucial part of your business’ success story; make sure it’s a chapter you can be proud of.

  • There are many good reasons for how things work—GAAP (generally accepted accounting principles) has been honed for decades.
  • But properly tracking your financial transactions is part of being a business owner, whether you’re a startup or an established business owner.
  • An accounting firm can do almost everything a CPA firm can do with one exception – audits and assurance services.
  • First, if you are considering buying an existing business, an accountant can help by reviewing past business tax returns before you purchase the business.
  • The pay of accountants might vary depending on location, industry and seniority.

How to Find the Right CPA for Your Small Business

In SaaS, income is generated from subscriptions rather than one-off sales. Because of this, deferred revenue components must be included in your income statement and financial reports to boost your profile with investors accounting services for startups or banks. This requires accrual basis accounting rather than simple cash basis accounting. An experienced accountant can help you make calculations that maximize the value and attractiveness of your business.

accountant for startup business

Getting Started with Startup Accounting

  • However, if you are organized from the start, know what documents to have and keep good records, it may not be that bad.
  • Kruze the best accounting firm for high-growth, technology companies.
  • Taking on your startup’s finances solo is a bold move that can be incredibly rewarding.
  • However, there are several accounting software options available to help you manage your startup finances whether or not you choose to hire an accountant.
  • Startups need rigorous accounting to ensure they survive the threats they face as fledgling businesses.
  • You’ll want to ask some questions about their experience, the size of their team, and whether they have a specialty (and what that specialty is).

As a result, making sure your communication is direct, pleasing, and engaging is critical to your success. However, it’s important to remember that you have to target businesses where you have the right location and the right skills. If you can fill them, then you have a specialization that is highly valuable to that market. That said, even if you don’t think you need one – or the website says it isn’t a requirement– https://thefremontdigest.com/navigating-financial-growth-leveraging-bookkeeping-and-accounting-services-for-startups/ most businesses are probably better off acquiring an EIN. In some cases, if you buy a business from someone else and there are issues on previous tax filings, you could be responsible for any omissions, inaccuracies, or errors on those tax returns. Our small business tax Endorsed Local Providers (ELPs) are all either CPAs or Enrolled Agents who live in your community and love serving their customers.

What is the best accounting method for startups?

accountant for startup business

Accounting, Finance, Taxes, & Payroll all in one solution

Accounting for Startups: What You Need to Know

Antonio Evans