September, 2020 | Berita Seni di Dunia Saat Ini

Mitug

Lukisan Surealis Remedios Varo Mempesona Pasar Seni

Lukisan Surealis Remedios Varo Mempesona Pasar Seni – Terlepas dari keadaan yang belum pernah terjadi sebelumnya seputar lelang tahun ini, lonjakan pasar untuk karya-karya Remedios Varo terus naik dengan stabil melalui kisaran enam dan tujuh digit.

Yang memimpin lelang itu adalah penjualan kanvas ahli Varo Armonía (Autorretrato Sugerente) (1956), yang melampaui perkiraan tingginya sebesar $ 3 juta tanpa hambatan, meninggalkan lantai lelang virtual maraton Sotheby pada bulan Juni dengan memecahkan rekor $ 6,1 juta.

Rekor lelang Varo sebelumnya sebesar $ 4,3 juta ditetapkan pada tahun 2014 di Sotheby’s melalui lukisannya pada tahun 1960, Hacia la Torre. Penjualan Sotheby musim ini juga membuat lukisannya tahun 1959, Microcosmos (Determinismo) terjual mendekati perkiraan tertingginya yaitu $ 2 juta, seharga $ 1,8 juta, menjadikannya harga tertinggi kelima yang dibayarkan untuk karya seniman di lelang.

Lahir di Spanyol pada tahun 1908, Varo telah menjalani kehidupan yang sangat berwarna pada saat dia melarikan diri ke Meksiko pada awal Perang Dunia II, bergabung dengan jajaran ekspatriat seniman Eropa lainnya, termasuk Leonora Carrington, Kati Horna, Alice Rahon, dan Wolfgang Paalen.

Setelah meninggalkan suami pertamanya untuk tinggal bersama seniman dan aktivis Esteban Francés dan kemudian penyair Benjamin Péret di Paris pada tahun 1937, dia sudah aktif terlibat dalam lingkaran surealis dan mengenal Carrington, Paalen, André Breton, Dora Maar, Roberto Matta, dan Max Ernst. Pada 1938, karya Varo dimasukkan dalam Pameran Surealis Internasional di Paris. sbobet365

Namun, di Meksiko itulah Varo menemukan praktiknya yang paling benar sebagai seniman. Menikah dengan pelatihan formal yang ketat dengan tema surealis yang fantastis, Varo memberikan narasi magisnya dengan detail dan imajinasi yang luar biasa. Dia, bersama dengan Carrington dan Horna (ketiganya sering disebut sebagai “tiga penyihir”), akan membentuk hubungan penting untuk gerakan surealis di Meksiko. Varo meninggal karena serangan jantung di Mexico City pada usia 54 tahun.

Mengikuti hukum ekonomi fundamental, kelangkaan pekerjaan Varo adalah faktor pendorong utama yang sederhana dalam penilaian pasar yang semakin tinggi. “Varo meninggal secara tak terduga di puncak karirnya,” jelas Virgilio Garza, kepala seni Amerika Latin di Christie’s. “Itu, ditambah fakta bahwa proses melukisnya sangat lamban, berarti dia tidak menghasilkan banyak gambar.” Seperti kebanyakan karya seniman, hanya segelintir karya Varo yang dianggap mahakarya. Bagi Garza, lukisan-lukisan itu adalah lukisan yang memasukkan unsur-unsur khusus tetapi klasik arsitektur yang fantastis, objek animasi yang ajaib, dan narasi yang menghantui, seringkali tidak dapat dibedakan. “Itu adalah gambar-gambar yang Anda lihat dengan harga yang lebih tinggi,” katanya.

Karya yang baru-baru ini dijual di Sotheby adalah simbol dari karakteristik tersebut. Di Armonía, sosok kurus dan duduk dengan tenang di meja, mengatur berbagai pernak-pernik bercahaya termasuk kristal, daun, lobak, dan kerang sebagai catatan pada perangkat pembuatan musik yang ditemukan. Hantu, sosok biru debu muncul di cat retak dinding, membantu dalam aransemen musik. Lembaran tembus pandang dan tanaman keras kepala yang aneh, masing-masing beterbangan dan menyembul dari bawah papan lantai warna-warni yang diredam. Dua burung telah meletakkan sepasang telur di atas kursi jok yang berwarna merah tua; Di tengah penerbangan, salah satu burung keluar dari kusen pintu terbuka yang mengarah ke jurang berkabut berwarna karat. Sangat mudah tersesat dalam pekerjaan Varo.

Berkontribusi pada kelangkaan pasar itu, kolektor yang memiliki karya-karya hebat Varo jarang berpisah dengan mereka. Mereka seperti anak-anak mereka! kata Norris, menjelaskan ho kolektor Varo yang sangat setia. “Orang-orang yang memiliki potongan-potongan ini mengenalnya dan mendukungnya dan membeli karya-karyanya langsung dari cangkang kembali pada tahun 1963.”

Selain kelangkaan karya-karyanya, badan beasiswa yang terus berkembang dalam beberapa tahun terakhir telah membantu memperluas dan memperdalam minat di antara lembaga dan kolektor. Sebagai kurator menjadi lebih diinvestasikan dalam mengubah seni-bersejarah kelalaian dan memperluas cakupan narasi untuk memasukkan para seniman yang secara historis dikecualikan dari kanon, seniman seperti Varo pada akhirnya mendapatkan hak mereka. “Ada misogyny yang sangat resmi untuk Surealisme, seperti yang didifikasi oleh André Breton,” jelas Dawes. “Perempuan benar-benar tidak dianggap serius oleh anggota gerakan Surealis, dan dengan ekstensi, para kritikus dan pasar, yang konyol mengingat betapa integralnya mereka terhadap pembentukan ideologi yang mendefinisikan Surealisme, serta menjadi praktisi terbesar dari perspektif teknis.”

Pada tahun 2012, Norris dihubungi oleh Museum of Modern Art untuk membantu memperoleh karya Varo pertamanya, The Juggler (The Magician) (1956). Saat ini dipandang sebagai bagian dari rehang bersejarah museum, karya ini sekarang membanggakan tempat di dalam galeri Surealis lembaga, bersama orang-orang sezaman seperti Carrington, Ernst, dan Salvador Dalí. “Rehang itu sangat penting dalam hal mempertimbangkan bagaimana pasar diinformasikan oleh presentasi museum dan kurasi,” kata Dawes. “MoMA telah membuat pernyataan yang sangat kuat tentang perempuan Surealis dalam cara bahwa mereka telah rehung galeri Surealis mereka dan dalam akuisisi baru-baru ini mereka telah dibuat.”

Sangat dirayakan dalam komunitas seni Meksiko— retrospektif anumerta karya Varo di Museum of Modern Art di Mexico City pada tahun 1971 melampaui catatan kehadiran oleh Diego Rivera dan Jose Clemente Orozco, menarik penonton terbesar dalam sejarah museum – itu hanya karena beasiswa baru-baru ini bahwa Varo telah datang ke pandangan global. “Banyak museum yang mencari karyanya, yang merupakan masalah besar,” kata Norris. “Basis kolektor juga semakin global—kami bekerja di kolektor di Asia dan Eropa. Saya pikir itu hanya akan terus menjadi lebih global. Saya juga melihat kolektor muda seperti milenial datang ke pasar ini.”

Mengenai masa depan pasar Varo, dia percaya masih ada jalan panjang untuk pergi sebelum ketinggian sebenarnya dari nilai artis terungkap.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Mitug

Studio Artis Terkenal yang Dapat Anda Kunjungi

Studio Artis Terkenal yang Dapat Anda Kunjungi – Dari tempat kreatif Francis Bacon yang terkenal disheveled hingga ruang kerja Constantin Brancusi, yang menampilkan perabotan buatan tangannya sendiri, studio seniman paling terkenal dalam sejarah memberikan banyak wawasan tentang praktik dan persona mereka. Apakah mereka akhirnya menjadi museum atau dikelola oleh yayasan (seperti The Easton Foundation, yang sedang dalam proses menyiapkan studio Louise Bourgeois di New York untuk pandangan publik), upaya restorasi memungkinkan ruang-ruang ini untuk dipertahankan dan dihargai lama setelah kematian seorang seniman. Berikut ini adalah sembilan studio seniman di lokasi dari Cape Town hingga Cornwall yang dapat Anda kunjungi secara langsung.

Joan Miró

Mallorca, Spanyol

Pelukis, pematung, dan pembuat cetak Spanyol Miró yang dikenal karena patung biomorfik dan komposisi abstraknya yang terinspirasi oleh adegan Dada yang pernah terlibat dengannya di Paris dan kaligrafi Jepang telah tumbuh menghabiskan waktu di Mallorca bersama neneknya. Ketika ia pindah ke sana secara permanen dari Barcelona pada tahun enam puluhan, ia menghancurkan banyak karya sebelumnya sepenuhnya, membuat jalan untuk fase baru kreativitas yang memiliki studio sendiri (untuk pertama kalinya) diberikan. https://www.auntieanniesfields.com/

Fundació Pilar i Joan Miró, yang ia dirikan untuk melestarikan studionya, sebagian sebagai inspirasi bagi seniman masa depan, tidak hanya mencakup studio pertama Miró dan museum karya-karyanya, tetapi juga Son Boter, sebuah rumah perkebunan pedesaan Mallorca abad ke-18 di belakang rumahnya sendiri yang ia beli sebagai ruang untuk membuat karya berskala besar. Saat ini, garasinya memiliki bengkel cetak yang berfungsi, diperbarui dari waktu Miró. https://www.auntieanniesfields.com/

Barbara Hepworth

Cornwall, Inggris

Pada awal Perang Dunia II, pematung Inggris Hepworth menetap di kota St. Ives di Cornwall, dengan suami keduanya, seniman Ben Nicholson. Dia menemukan Trewyn Studio satu dekade kemudian, dan tinggal dan bekerja di sana selama sekitar 25 tahun. Hepworth memalsukan patung-patungnya potongan batu dan kayu khas, dan gips plester untuk perunggunya di halaman rumah, di dua studio luar ruangan, dan di rumah itu sendiri.

Sesuai instruksinya, property termasuk taman yang dikuratorinya untuk menampilkan patung-patungnya diubah menjadi museum setelah dia meninggal, dan telah dioperasikan di bawah naungan Tate London sejak 1980. Studio ukiran tetap hampir bagaimana dia meninggalkannya, sementara studio plester sekarang mencakup alat dan karya yang sedang berlangsung yang dimaksudkan untuk memberi ruang fokus pendidikan dan narasi. Museum ini buka hingga 29 Oktober, sebelum ditutup untuk konservasi hingga musim semi 2018.

Konstantinus Brancusi

Paris, Prancis

Pematung kelahiran Rumania Brancusi berbasis di Paris selama lebih dari 50 tahun. Awalnya terletak di sepanjang gang yang disebut Impasse Ronsin, rumah dan studionya menarik seniman terkemuka termasuk Yves Klein, Jean Tinguely, Max Ernst, dan Niki de Saint Phalle, pada tahun 1950-an dan 60-an. Selama masa jabatan Brancusi, ia tidak hanya menciptakan karya-karya patungnya di sana, tetapi juga mengembangkan semacam museum pribadi untuk menampilkannya. Dia membayangkan potongan-potongannya dalam pengelolan dan mengatur ulang mereka untuk mencapai rasa harmoni yang sempurna, akhirnya berhenti untuk membuat karya-karya baru dan mengisi ruang kosong.

Ketika ia meninggal, Brancusi meninggalkan segala sesuatu di studionya kepada pemerintah Perancis-dan ditentukan bahwa ruang harus sempurna diciptakan kembali. Studio yang direkonstruksi dan direlokasi sekarang ada di dalam ruang seperti museum yang dirancang Renzo Piano di samping Centre Pompidou dan menampung sekitar 137 patung Brancusi.

Georgia O’Keeffe

Abiquiú, New Meksiko

Pada tahun 1949, lama setelah ia mulai menciptakan lukisan bunga nya yang ikonik dan abstrak, O’Keeffe meninggalkan New York dan pindah lintas negara untuk melanjutkan pengamatan dekatnya tentang dunia alam di dataran gurun New Mexico. Di sana, rumah dan studionya, di Abiquiú—yang dibelinya pada tahun 1945 sekarang menjadi National Historic Landmark, beroperasi bersama dengan kampus Santa Fe di Georgia O’Keeffe Museum, sekitar 90 mil jauhnya. Sementara ia tinggal dan bekerja di gedung selama sekitar 30 tahun, O’Keeffe menciptakan puluhan lukisan berdasarkan rumah dan sekitarnya, termasuk pemandangan Sungai Chama. Pengunjung dapat memesan tur sampai sebelum Thanksgiving, sebelum bangunan ditutup untuk musim, hingga Maret.

Fransiskus Bacon

Newcastle upon Inggris, Inggris Raya

Enam tahun setelah kematian Bacon pada tahun 1992, sebuah tim arkeolog, kurator, dan konservatori memindahkan seluruh studio London-nya ke The Hugh Lane, sebuah galeri seni yang dikelola kota di Dublin, tempat kelahiran Bacon. Ruang telah diciptakan kembali untuk mencerminkan kondisi yang tepat Bacon meninggalkannya di-yaitu, berantakan. Itu adalah rumah dan tempat kerja seniman selama tiga dekade, dan rekonstruksi Dublin mencakup segala sesuatu dari struktur fisik itu sendiri hingga akumulasi debu yang berkumpul di ruangan. Baik upaya relokasi maupun katalogisasi ribuan benda yang tersisa di studio merupakan terobosan dalam praktik pengarsipan museum.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Mitug

Constantin Brancusi Dengan Berani Mendefinisikan Ulang Patung

Constantin Brancusi Dengan Berani Mendefinisikan Ulang Patung – Seni modern dibahas, dikagumi, terkenal, dan terkadang dicaci maki karena berbagai alasan, tetapi ada satu kualitas penentu yang biasanya menonjol sebagai titik daya tarik atau perselisihan: Ia tidak terlihat seperti sesuatu yang “nyata”.

Dan memang benar banyak seni modern dari abad ke-20 tidak memiliki kemiripan fisik sepenuhnya dengan subjeknya. Namun menurut pematung Constantin Brancusi, konsep “menjadi nyata” lebih dari sekadar terlihat seperti alam. Ide ini sangat penting bagi karyanya dan itulah yang membuatnya begitu kontroversial pada masanya, dan sangat penting bagi evolusi seni pahat. sbobet slot

Brancusi lahir pada tahun 1876 di pedesaan Rumania. Ayahnya adalah seorang petani, dan Brancusi tumbuh dengan jelas di luar narasi tradisional Eropa Barat di mana banyak rekannya bercokol. Sepanjang hidupnya, dia merangkul posisi orang luar dari sandal yang dia kenakan hingga cara dia menata rambut dan musik folk yang dia dengarkan. Demikian pula, karya seninya tidak mengikuti gaya pendahulunya di Barat. Itu melanggar tradisi akademis, dan membantu membentuk prinsip-prinsip modernisme radikal reduktif dan non-representasional yang dirayakan dan dicemooh hari ini.

Pada zaman Brancusi, kritik seni rupa konvensional lebih mengutamakan keserupaan fisik dengan kehidupan. Brancusi menentang konvensi dengan menciptakan bentuk tak terduga yang hampir secara lucu menentang bentuk yang disarankan judul mereka. Karya seperti Bird in Space (1923) dan Princess X (1916) hampir tidak terlihat seperti burung atau putri mana pun yang pernah Anda lihat. Tapi, menurut Brancusi, justru itulah intinya, dan yang membuat pahatannya lebih jujur. “Apa yang nyata bukanlah bentuk eksternal,” katanya, “tetapi esensi dari segala sesuatu.”

Bagi orang yang mengukur keterampilan dengan seberapa baik seseorang dapat membuat otot berdesir di marmer, ini mengejutkan, dan bahkan sedikit konyol. Namun pada akhirnya, Brancusi menantang dunia seni untuk mempertimbangkan kembali apa sebenarnya patung itu dan apa fungsinya. Dan ini mengubah cara generasi masa depan membuat dan memandang seni.

Sekarang, Brancusi adalah salah satu pematung paling terkenal di abad ke-20, yang didirikan dengan kokoh di kanon. Bulan Mei yang lalu, Christie menjual La Jeune Fille Sophistiquée (Potret de Nancy Cunard) (1928/1932) dengan memecahkan rekor $ 71 juta. Karyanya berada di Centre Pompidou, Tate Modern, dan Metropolitan Museum of Art. Serangkaian 11 patung penting karya seniman juga menjadi pusat pameran baru, yang dipamerkan di Museum of Modern Art dari 22 Juli hingga 18 Februari.

Namun penonton tidak selalu menerima pendekatan Brancusi terhadap seni pahat. Pada tahun 1920, penyelenggara Salon des Indepéndants di Paris memaksa Brancusi untuk memindahkan patung Putri X karena terlalu terang-terangan lingga. Dan pada tahun 1927, seorang pejabat bea cukai terkenal menolak untuk mengakui Bird in Space sebagai sebuah karya seni, dan sebaliknya mencoba untuk menerapkan bea cukai 40 persen yang biasanya diterapkan pada barang-barang seperti peralatan dapur. Menurut undang-undang pajak AS, patung didefinisikan sebagai “reproduksi dengan ukiran atau casting, tiruan dari benda-benda alam, terutama bentuk manusia”. Brancusi melanjutkan dengan melancarkan pengaduan hukum formal yang mengarahkan pengadilan dan publik untuk mempertimbangkan kembali definisi seni.

Memang benar bahwa definisi patung secara harfiah telah ditetapkan di atas batu sebelum Brancusi. Dunia tidak siap untuk karyanya karena tidak terlihat seperti patung selama beberapa ratus tahun terakhir. Seniman seperti Michelangelo telah memukau dunia dengan keterampilan teknis mereka dengan berusaha untuk menciptakan kembali bentuk manusia sedekat mungkin. “Saya melihat malaikat di marmer,” komentar Michelangelo, “dan saya mengukir sampai saya membebaskannya.”

Patung Brancusi tidak terlalu seperti malaikat, dan mungkin tampak kurang mengesankan karena tidak memamerkan potongan teknis yang sama. Tetapi ini bukan karena Brancusi tidak memiliki keterampilan. Dia sempat magang di bawah pematung Prancis Auguste Rodin, dan di awal karirnya, dia dipuji karena perannya sebagai of anatomi manusia. Écorchés awal Brancusi, atau studi otot, sangat ahli sehingga dipamerkan di Romanian Athenaeum pada tahun 1903.

Beberapa ide favorit Brancusi untuk dijelajahi sebenarnya sangat abstrak misalnya, Endless Column (1918), dengan geometri bergerigi dan bersudut, mengisyaratkan kemungkinan pengulangan tanpa batas. Tapi melihat patung itu secara langsung, Anda mendapatkan kesan bahwa Brancusi telah membuat abstrak lebih mudah dicerna.

Salah satu contoh terbaik dari hal ini terlihat pada patungnya pada tahun 1916 The Kiss, bentuk seperti balok yang menggambarkan dua kekasih yang berpelukan. Patung itu menyandang judul yang sama dengan karya Rodin tahun 1882, yang sangat mirip aslinya sehingga batunya terlihat lembut. Tetapi hampir tidak ada cara untuk membandingkan kedua patung tersebut; mereka terlihat seperti berasal dari dunia yang berbeda sama sekali.

Dengan The Kiss versinya, Brancusi tidak mencoba untuk mengalahkan teknik Rodin atau mengatakan bahwa pahatannya lebih mirip dua kekasih yang berciuman. Sebaliknya, dia memaksa orang untuk melakukan percakapan tentang balok marmer dan apa artinya bagi pemirsa untuk memahami dua bentuk yang digabungkan bersama. Brancusi tidak terkesan dengan realisme teknis dia mengisyaratkan bahwa ada hal lain yang tidak kita lihat, dan membiarkan kita memikirkan kemungkinan itu.

Brancusi senang mengutip Nicolas Boileau yang mengatakan “rien n’est beau que la vrai” tidak ada yang indah kecuali yang menyesali. Apa yang ditunjukkan karyanya berulang kali adalah bahwa tidak adil, atau bahkan tidak mungkin, untuk menentukan satu definisi tentang apa yang indah atau benar. Dan perlahan, patung Brancusi mulai mengkomunikasikan pesan ini kepada orang lain.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Mitug

Patung Venus Prasejarah Masih Membingungkan Para Ahli

Patung Venus Prasejarah Masih Membingungkan Para Ahli – Pinggul yang lebar, payudara yang besar, pudenda yang tidak tertutup ini adalah ciri-ciri yang paling banyak dibicarakan dari patung wanita Zaman Batu yang umumnya dikenal sebagai figur Venus atau figur kesuburan. Berasal sekitar 40.000 SM, patung prasejarah telah disebut-sebut sebagai beberapa contoh seni figuratif paling awal yang dikenal di seluruh dunia. Namun mereka diselimuti misteri, dan interpretasinya telah dipengaruhi oleh proyeksi budaya selama lebih dari satu abad.

Arkeolog telah membacanya sebagai patung dewi, jimat kesuburan, rupa ibu yang dihormati, dan jimat makanan. Banyak sejarawan berfokus pada lekuk tubuh mereka yang berlebihan, tetapi lebih sedikit yang menyoroti kisaran tipe tubuh yang mereka gambarkan. Contoh yang lebih terkenal, seperti Venus of Willendorf yang terkenal, sangat menggairahkan, sementara patung-patung lain yang kurang dikenal biasanya lebih ramping dan lentur. Kita mungkin tidak pernah tahu persis mengapa patung-patung ini dipalsukan dan siapa yang mereka gambarkan, tetapi itu tidak menghentikan para ilmuwan untuk berhipotesis. sbobet88 slot

Penemuan modern pertama dari patung Paleolitikum terjadi pada tahun 1864, berkat seorang bangsawan dan arkeolog amatir bernama Paul Hurault, Marquis de Vibraye ke-8. Saat mencari-cari di situs penggalian Laugerie-Basse di wilayah Dordogne di barat daya Prancis, Hurault menemukan objek gading setinggi 3 inci. Meskipun tanpa kepala dan tanpa lengan, sosok itu mempertahankan dada yang jelas dan vulva yang diartikulasikan dengan jelas, dengan berani menegaskannya sebagai perempuan. Hurault, dengan bakat satir, menamainya Venus Impudique, atau “Venus yang tidak sopan”, sebuah pembalikan lucu dari tipologi patung Yunani klasik Venus pudica, di mana sosok wanita dengan sopan menutupi alat kelaminnya dengan tangan atau kain. Sebaliknya, sosok Paleolitikum itu seakan tak bersusah payah menyembunyikan seksualitasnya.

Hurault tidak mengetahuinya saat itu, tetapi lebih dari 200 patung serupa dari era Paleolitik Muda akan digali di seluruh Eropa dan Asia, dari Prancis hingga Siberia, selama satu setengah abad berikutnya. Dia tidak hanya meluncurkan serentetan penemuan ini, tetapi juga tradisi menyebut patung-patung itu “Venuses”. Itu adalah nama yang agak menyesatkan, mengingat istilah itu berasal dari Yunani kuno, puluhan ribu tahun setelah patung-patung Paleolitik dibuat, untuk menggambarkan dewi cinta, seks, dan kesuburan.

Diukir pada era sebelum bahasa tertulis, tidak ada bukti yang jelas tentang apa yang diwakili oleh patung-patung ini. Petunjuk paling akurat yang dimiliki para sarjana tentang apa yang digambarkan oleh patung-patung itu dan mengapa terletak pada kualitas formal dari gambar itu sendiri. Hampir semuanya mungil panjangnya beberapa inci dan cukup kecil untuk dipegang dengan tangan atau tali ke seutas tali (beberapa bahkan berisi simpul berukir, tampaknya untuk tujuan ini). Orang-orang yang memalsukannya menjalani kehidupan nomaden dan beberapa sarjana menduga bahwa mereka sengaja membuat patung-patung itu kecil dan ringan untuk memudahkan pengangkutan. Hipotesis ini menunjukkan nilai pribadi dari patung-patung itu dan kemungkinan penggunaan devosionalnya. Dalam bacaan ini, patung bukanlah objek yang akan dibuang, tetapi diangkut dengan pembuatnya dipegang atau digantung di dekat tubuh saat berkeliaran dari satu tempat ke tempat lain.

Gender berfungsi sebagai benang merah lainnya di seluruh patung Paleolitikum. Sebagian besar terang-terangan perempuan, dan menurut banyak sarjana, bahkan contoh yang ambigu mengandung atribut perempuan. Meski para sejarawan mengakui bahwa figur laki-laki dari periode ini masih bisa muncul ke permukaan, tampaknya perempuan jauh lebih sering digambarkan. Tapi kenapa? Apa gunanya mereka? Menurut arkeolog Nicholas J. Conard, satu penjelasan muncul di atas yang lain: “Atribut seksual mereka yang digambarkan dengan jelas,” tulisnya dalam Nature terbitan 2009, “menunjukkan bahwa mereka adalah ekspresi kesuburan langsung atau tidak langsung.”

Conard membuat klaim ini, yang juga didukung oleh banyak arkeolog dan sejarawan lain, dalam sebuah artikel yang mengumumkan penemuannya tentang patung perempuan Paleolitik tertua yang diketahui, yang berumur antara 40.000 dan 35.000 SM. (Patung lain jatuh lebih dekat antara 30.000 dan 20.000 SM) Pada tahun 2008, ia dan timnya menggali enam potong kecil gading mammoth dari gua Hohle Fels di barat daya Jerman. Tetapi hanya setelah menemukan fragmen terbesar bentuk bulat yang menggumpal pentingnya penemuan itu menjadi jelas. Itu adalah mayoritas dari batang tubuh: inti dari sosok wanita yang payudara besar, perut buncit, dan vulva luar biasa menjadi pusat perhatian. Sebagai perbandingan, lengan dan kakinya tampak kecil, dan sebagai pengganti kepala berdiri sebuah cincin berukir (mungkin untuk penggunaan asli sebagai liontin). Conrad terus terang menafsirkannya: “Kepala dan kaki tidak penting. Ini tentang seks, reproduksi,” katanya kepada Majalah Smithsonian pada 2012.

Proporsi ini, di mana area tubuh yang terkait dengan reproduksi (vulva, payudara, pinggul, perut) menonjol, adalah ciri khas dari banyak patung Venus. Venus of Willendorf, yang berasal dari sekitar 25.000 tahun yang lalu dan ditemukan pada tahun 1908, memiliki gambaran yang serupa. Payudara menggantung patung itu bertumpu pada perut montok, di mana pinggul yang melimpah dan vulva yang menonjol muncul. Dibandingkan dengan Hohle Fels Venus, lengan Willendorf bahkan lebih kecil dan kurang tegas, dan meskipun dia memiliki kepala, fitur-fiturnya tampak sengaja dikaburkan oleh pola ukiran yang menyerupai topi anyaman atau rambut yang dianyam.

Tapi tidak semua patung Paleolitik begitu banyak, atau organ seksual mereka menonjol. Beberapa ramping atau memanjang; yang lain dihiasi dengan tanda silang atau tanda lain yang mungkin merujuk pada pakaian. Bentuk dan fitur patung berfluktuasi, mungkin menunjukkan luasnya model, cita-cita estetika, atau kegunaannya. Conrad mungkin yakin bahwa patung mewakili kesuburan, tetapi sarjana lain telah membuat argumen yang meyakinkan untuk fungsinya sebagai figur dewi, objek keagamaan atau perdukunan, atau simbol dari organisasi sosial matriarkal.

Kemungkinan interpretasi tampaknya tidak terbatas, tetapi seperti yang disarankan oleh arkeolog Olga Soffer, harus ada batasan. Soffer memperingatkan agar tidak menganalisis patung-patung itu dalam istilah “seni Eropa Barat abad ke-18”. Sementara julukan menyesatkan “Venus” tampaknya telah macet, legiun arkeolog dan sejarawan terus menafsirkan kembali cache dari patung-patung ini, mendorong mereka keluar dari label sempit.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Mitug

Inilah 10 Fakta Guernica Yang Dibuat Oleh Picasso

Inilah 10 Fakta Guernica Yang Dibuat Oleh Picasso – Berikut merupakan fakta mengenai lukisan Guernica yang dilukis oleh Picasso.

1. Guernica, lukisan politik Picasso yang paling penting, tetap relevan sebagai sebuah karya seni dan sebagai simbol protes, dan lukisan itu membuat kenangan akan mimpi buruk kota Basque tetap hidup. Ketika Picasso tinggal di Paris yang diduduki Nazi selama Perang Dunia II, seorang perwira Jerman diduga bertanya kepadanya, setelah melihat foto Guernica di apartemennya, “Apakah Anda melakukan itu?” Picasso menjawab, “Tidak, Anda melakukannya.” sbobet88

2. Guernica adalah lukisan pesanan. Setelah pemboman Guernica, Picasso diberi tahu tentang apa yang terjadi di negara asalnya. Saat itu, dia sedang mengerjakan mural untuk Pameran Paris yang akan diadakan pada musim panas 1937, atas perintah pemerintah Republik Spanyol. Dia meninggalkan ide aslinya dan pada 1 Mei 1937, mulai di Guernica. Ini memikat imajinasinya tidak seperti ide sebelumnya, yang telah dia kerjakan dengan agak tanpa perasaan, selama beberapa bulan. Menarik untuk dicatat, bagaimanapun, bahwa pada pembukaannya di Pameran Paris musim panas itu, ia hanya mendapat sedikit perhatian. Itu kemudian akan mencapai kekuatannya sebagai simbol kuat dari kehancuran perang terhadap kehidupan yang tidak bersalah.

3. Mungkin karena Picasso mengetahui tentang pengeboman Guernica melalui membaca artikel di koran, saran tentang kertas koran yang robek muncul di lukisan. Ini juga berfungsi sebagai surat berantai kuda.

4. Patriotisme dan rasa keadilan Picasso melebihi lokasi fisik. Dia belum pernah ke Spanyol, negara kelahirannya, selama beberapa tahun ketika Nazi mengebom kota Guernica di Spanyol pada tahun 1937. Dia tinggal di Paris pada saat itu, dan tidak pernah kembali ke tempat kelahirannya untuk tinggal. Namun demikian, serangan tersebut, yang sebagian besar menewaskan wanita dan anak-anak.

5. Pada tahun 1974, seorang aktivis dan seniman antiperang, Tony Shafrazi, melakukan pengecatan mural dengan cat semprot merah sebagai pernyataan protes. Itu dipamerkan di Museum Seni Metropolitan New York pada saat itu. Para kurator segera membersihkan lukisan itu, dan Shafrazi masuk penjara, dituduh melakukan kejahatan kriminal.

6. Picasso bersikeras bahwa Guernica tetap di Met sampai Spanyol mendirikan kembali republik demokratis. Baru pada tahun 1981, setelah kematian artis dan Franco, negosiator Spanyol akhirnya dapat membawa pulang mural tersebut.

7. Selama pembuatan “Guernica”, Picasso mengizinkan seorang fotografer mencatat kemajuannya. Sejarawan percaya bahwa foto hitam dan putih yang dihasilkan menginspirasi seniman untuk merevisi karya seni versi sebelumnya yang diwarnai menjadi palet yang lebih tegas dan lebih berdampak.

8. Seniman tidak hanya menggunakan warna yang kurang untuk mengekspresikan kejanggalan setelah pengeboman, ia juga secara khusus memesan cat rumah dengan sedikit kilap. Hasil akhir matte, selain nuansa abu-abu, putih, dan biru-hitam, memberikan kesan yang blak-blakan namun tanpa hiasan untuk karya seni.

9. Lukisan dinding berisi beberapa gambar tersembunyi. Salah satunya adalah tengkorak, yang ditumpangkan di atas tubuh kuda. Yang lainnya adalah banteng yang terbentuk dari kaki kuda yang tertekuk. Tiga belati menggantikan lidah di mulut kuda, banteng, dan wanita yang menjerit.

10. Dua dari gambar tanda tangan artis, Minotaur dan Harlequin, di Guernica. Minotaur, yang melambangkan kekuatan irasional, mendominasi pekerjaan di sisi kiri. Harlequin, komponen yang sebagian tersembunyi di tengah kiri, menangis air mata berbentuk berlian. Harlequin secara tradisional melambangkan dualitas. Dalam ikonografi seni Picasso, itu adalah simbol mistik dengan kekuatan atas hidup dan mati. Mungkin artis memasukkan harlequin untuk mengimbangi kematian yang dia gambarkan di mural.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Mitug

Guernica oleh Pablo Picasso Yang Sangat Terkenal

Guernica oleh Pablo Picasso Yang Sangat Terkenal – Mungkin karya Picasso yang paling terkenal, Guernica tentu saja merupakan pernyataan politiknya yang paling kuat, yang dilukis sebagai reaksi langsung terhadap praktik pengeboman kasual Nazi yang menghancurkan di kota Basque Guernica selama Perang Saudara Spanyol.

Guernica menunjukkan tragedi perang dan penderitaan yang ditimbulkannya pada individu, terutama warga sipil yang tidak bersalah. Karya ini telah mendapatkan status monumental, menjadi pengingat abadi akan tragedi perang, simbol anti-perang, dan perwujudan perdamaian. Setelah selesai Guernica ditampilkan di seluruh dunia dalam tur singkat, menjadi terkenal dan diakui secara luas. Tur ini membantu membawa Perang Saudara Spanyol menjadi perhatian dunia. http://185.149.112.141/

Karya ini dipandang sebagai penggabungan gaya pastoral dan epik. Pembuangan warna memperkuat drama, menghasilkan kualitas reportase seperti dalam rekaman fotografis. Guernica berwarna biru, hitam dan putih, tinggi 3,5 meter (11 kaki) dan lebar 7,8 meter (25,6 kaki), sebuah kanvas berukuran mural yang dilukis dengan minyak. Lukisan Guernica ini bisa dilihat di Museo Reina Sofia di Madrid.

Interpretasi Guernica sangat bervariasi dan bertentangan satu sama lain. Ini meluas, misalnya, ke dua elemen dominan mural: banteng dan kuda. Sejarawan seni Patricia Failing berkata, “Banteng dan kuda adalah karakter penting dalam budaya Spanyol. Picasso sendiri pasti menggunakan karakter ini untuk memainkan banyak peran yang berbeda dari waktu ke waktu. Hal ini membuat tugas untuk menafsirkan arti spesifik dari banteng dan kuda menjadi sangat penting. tangguh. Hubungan mereka adalah sejenis balet yang dikandung dalam berbagai cara sepanjang karier Picasso. “

Beberapa kritikus memperingatkan agar tidak mempercayai pesan politik di Guernica. Misalnya, banteng yang mengamuk, motif utama kehancuran di sini, sebelumnya telah menggambarkan, apakah sebagai banteng atau Minotaur, sebagai ego Picasso. Namun, dalam hal ini banteng mungkin mewakili serangan fasisme. Picasso mengatakan itu berarti kebrutalan dan kegelapan, mungkin mengingatkan pada kenabiannya. Ia juga menyatakan bahwa kuda itu mewakili rakyat Guernica.

Guernica adalah sebuah kota di provinsi Biscay di Basque Country. Selama Perang Saudara Spanyol, itu dianggap sebagai benteng utara gerakan perlawanan Republik dan episentrum budaya Basque, menambah signifikansinya sebagai target.

Pasukan Republik terdiri dari berbagai faksi (Komunis, Sosialis, Anarkis, untuk beberapa nama) dengan pendekatan yang sangat berbeda terhadap pemerintah dan tujuan akhirnya, tetapi merupakan oposisi yang sama terhadap Nasionalis. Kaum Nasionalis, yang dipimpin oleh Jenderal Francisco Franco, juga mengalami faksionalisasi tetapi pada tingkat yang lebih rendah. Mereka mencari kembali ke masa keemasan Spanyol, berdasarkan hukum, ketertiban, dan nilai-nilai tradisional keluarga Katolik.

Sekitar pukul 16:30 pada hari Senin, 26 April 1937, pesawat tempur Legiun Condor Jerman, yang dipimpin oleh Kolonel Wolfram von Richthofen, mengebom Guernica selama sekitar dua jam. Jerman, saat ini dipimpin oleh Hitler, telah memberikan dukungan material kepada kaum Nasionalis dan menggunakan perang sebagai kesempatan untuk menguji senjata dan taktik baru. Belakangan, pemboman udara yang intens menjadi langkah awal yang penting dalam taktik Blitzkrieg.

Guernica adalah ikon seni modern, Mona Lisa untuk zaman kita. Ketika Leonardo da Vinci membangkitkan cita-cita Renaisans tentang ketenangan dan pengendalian diri, Guernica harus dilihat sebagai komentar Picasso tentang apa yang sebenarnya dapat disumbangkan oleh seni terhadap pernyataan diri yang membebaskan setiap manusia dan melindungi individu dari kekuatan luar biasa seperti kejahatan politik, perang, dan kematian.

Antonio EvansSeptember 30, 2020June 24, 2022

Month: September 2020